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Gli scatti di Allen Ginsberg. L’AI scrive nuove poesie dello scrittore Beat. La Fahey/Klein Gallery di Los Angeles sta offrendo una prospettiva affascinante e innovativa sulla vita e l'opera del poeta Allen Ginsberg attraverso una mostra che combina le sue fotografie con l'intelligenza artificiale. Questo progetto multidisciplinare, intitolato "Muses & Self: Photographs by Allen Ginsberg", porta alla luce due aspetti distinti ma interconnessi della creatività di Ginsberg: la sua passione per la fotografia e la sua influenza sulla poesia. La mostra espone una collezione di fotografie scattate da Allen Ginsberg stesso. Queste immagini catturano momenti intimi e spontanei con i suoi amici e colleghi della Beat Generation, ritraendo le figure iconiche come Jack Kerouac, William S. Burroughs e altri. Le fotografie sono intrise di autenticità e rivelano l'anima dell'epoca, oltre a riflettere l'evoluzione artistica di Ginsberg come fotografo nel corso degli anni. La sua scelta di catturare "istantanee" piuttosto che cercare una perfezione tecnica mette in evidenza l'importanza delle connessioni umane e delle esperienze condivise. Un elemento distintivo della mostra è l'integrazione dell'intelligenza artificiale nella comprensione delle fotografie di Ginsberg. L'uso dell'IA per generare didascalie e commenti alle fotografie può sembrare inizialmente sorprendente, ma in realtà aggiunge un nuovo livello di interpretazione e connessione. L'intelligenza artificiale è stata addestrata utilizzando il corpus testuale delle opere di Ginsberg e più di 400 delle sue fotografie. Questo consente all'IA di creare commenti che si riflettono nello stile e nell'anima di Ginsberg, offrendo un'ulteriore prospettiva sulla relazione tra le immagini e le parole. Il progetto "Un'immagine della mia mente: poesie scritte dalle fotografie di Allen Ginsberg" approfondisce ulteriormente questa interazione tra fotografia e poesia. L'IA, sviluppata in collaborazione con il collettivo di poesia theVERSEverse, genera poesie ekphrastic in risposta alle fotografie di Ginsberg. Questo dialogo tra le immagini e le parole crea una sinergia che amplifica l'esperienza complessiva della mostra. Queste poesie non solo offrono una prospettiva unica sull'opera di Ginsberg, ma possono anche rivelare strati più profondi di significato e connessione tra i diversi media artistici. Questa iniziativa mostra come l'intelligenza artificiale possa essere utilizzata in modo creativo e significativo nell'ambito delle arti visive e della letteratura. Non cerca di sostituire l'autenticità e l'ingegno di Ginsberg, ma piuttosto di arricchire il nostro rapporto con la sua opera, aprendo nuove prospettive interpretative e ampliando le possibilità di connessione tra diverse forme d'arte. In definitiva, questo progetto rivela come la tecnologia possa essere un mezzo per esplorare e rafforzare il ricordo e l'eredità di un artista e intellettuale influente come Allen Ginsberg. Allen Ginsberg è nato il 3 giugno 1926 a Newark, nel New Jersey, una città che oggi è diventata un sobborgo di New York. La sua infanzia è stata segnata da un ambiente privilegiato, poiché è stato il primogenito di una coppia benestante della borghesia ebraica. Suo padre era un rispettato docente di letteratura, mentre sua madre, di origine russa, era un'attivista filocomunista impegnata, che spesso portava il giovane Allen alle riunioni del partito. Questa esposizione precoce all'attivismo politico e alla critica sociale ha influenzato profondamente Ginsberg e ha contribuito a sviluppare la sua prospettiva politica unica che avrebbe permeato la sua vita e la sua opera. Fin dalla giovane età, Ginsberg ha dimostrato un interesse per le questioni sociali e la giustizia, sviluppando un desiderio di diventare un avvocato per aiutare gli operai e la classe sfruttata in tutto il mondo. La sua ricerca di significato lo ha portato a studiare e impegnarsi seriamente nel suo percorso di istruzione. Nel 1943, ha ottenuto una borsa di studio alla Columbia University, dove avrebbe sperimentato un incontro che avrebbe cambiato la sua vita. All'università, Ginsberg si unisce a un gruppo di giovani intellettuali che includono figure come Jack Kerouac, Neal Cassady, Lucien Carr e William Burroughs. Questo gruppo diventa il cuore pulsante del movimento letterario Beat, che avrebbe avuto un impatto significativo sulla cultura e sulla letteratura americana. L'esperienza con questi individui eclettici e curiosi ha ampliato gli orizzonti di Ginsberg, introducendolo a letture alternative e stimolando il suo desiderio di sperimentare e creare. Nel contesto della cultura Beat, caratterizzata da un atteggiamento di ribellione contro i valori e le norme borghesi, la gioventù si sente attratta dalla sperimentazione con le droghe, dalla trasgressione e dalla ricerca di nuove esperienze. Ginsberg è influenzato da questa atmosfera, ma mantiene una certa lucidità rispetto ai suoi amici, concentrando la sua energia sulla creazione letteraria. Le esperienze e le visioni suscitate dall'uso di sostanze psichedeliche contribuiscono al suo sviluppo di nuovi modi di percepire e interpretare il mondo, che lui e Kerouac chiameranno "New Vision" o "Nuove Visioni". Un momento cruciale nella vita di Ginsberg è la lettura del suo celebre poema "Howl" alla "Six Gallery poetry reading" nel 1955. Questo evento segna il suo ingresso nella scena letteraria e la sua ascesa alla fama. "Howl and Other Poems" verrà pubblicato nel 1956 dalla casa editrice "City Lights Books" di Lawrence Ferlinghetti e avrà un impatto rivoluzionario sulla letteratura del tempo. Il poema, con la sua franchezza e la sua presa di posizione a favore dell'omosessualità, affronta temi tabù e contribuisce a rendere Ginsberg una figura di spicco nella cultura e nella letteratura americana. La fama e l'influenza di Ginsberg crescono parallelamente all'espansione del movimento Beat. Nel clima di paura e sospetto scatenato dalla guerra fredda e dalla Commissione per le attività antiamericane, i poeti Beat diventano voci provocatorie e irriverenti che sfidano l'ortodossia e promuovono la libertà di espressione. Nel periodo degli anni '60, Ginsberg si apre a nuove sperimentazioni e influenze, abbracciando l'uso di sostanze psichedeliche, l'interesse per le religioni orientali e la diffusione del pensiero contro-culturale. La sua presenza magnetica e il suo coinvolgente "reading" pubblico attirano migliaia di giovani, e la sua passione per l'insegnamento lo porta a fondare la "Jack Kerouac School of Disembodied Poetics" presso il Naropa Institute in Colorado. La sua morte nel 1997 ha rappresentato la fine di un'era, ma il suo impatto sulla letteratura, la cultura e la politica continua a vivere attraverso le sue opere e la sua eredità come figura iconica del movimento Beat. Inizio modulo Fine modulo Pubblicazioni italiane di Allen Ginsberg Facile come respirare. Appunti, lezioni, conversazioni, minimum fax, 1998 Da New York a San Francisco. Poetica dell'improvvisazione, minimum fax, 1997 Jukebox all'idrogeno. Testo originale a fronte, Guanda, 2001 Parigi Roma Tangeri. Diari degli anni '50, Il Saggiatore, 2000 Urlo & Kaddish. Con cd, Il Saggiatore, 1999 Primi blues. Rags, ballate e canti con l'armonium (1971-1975). Testo originale a fronte, TEA, 1999 Diario indiano, Guanda, 1999 Papà respiro addio. Poesie scelte (1947-1995), Il Saggiatore, 1997 Urlo & Kaddish, Il Saggiatore, 1997 La caduta dell'America, Mondadori, 1996 Saluti cosmopoliti, Il Saggiatore, 1996 Testimonianza a Chicago, Il Saggiatore, 1996 Di Allen Ginsberg, Bob Dylan e Jack Kerouac: Battuti & beati. I beat raccontati dai beat, Einaudi, 1996 Su Allen Ginsberg: Thomas Clark, Intervista con Allen Ginsberg. Introduzione di Emanuele Bevilacqua, minimum fax, 1996

AI, fotografie e poesie. Il nuovo mondo di Allen Ginsberg.

La Fahey/Klein Gallery di Los Angeles sta attualmente ospitando una mostra innovativa che offre un'interessante prospettiva sulla vita e il lavoro del poeta Allen Ginsberg. Intitolata "Muses & Self: Photographs ...
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I'm a Barbie girl, in the Barbie world. Life in plastic, it's fantastic! Successo di critica e soprattutto di pubblico per il live-action del momento, quello su Barbie. Certamente un progetto ambizioso e interessante, considerando la vasta popolarità della bambola in tutto il mondo. L'idea di portare il personaggio iconico sul grande schermo con una vera attrice come Margot Robbie nel ruolo principale è sicuramente accattivante per i fan e infatti sta attirando l'attenzione di un pubblico più ampio. La trama proposta del film Barbie vive di stereotipi anche se sembra affrontare tematiche importanti relative all'immagine di sé delle donne, agli standard di bellezza imposti e alla lotta contro gli stereotipi di genere. Il viaggio di Barbie nel mondo reale alla ricerca della bambina che gioca con lei è una metafora interessante per esplorare il confronto con la realtà e il superamento delle aspettative imposte dalla società. La scelta di Greta Gerwig come regista e sceneggiatrice è intrigante, poiché ha dimostrato la sua capacità di affrontare tematiche complesse e di raccontare storie femminili con profondità e sensibilità. Il coinvolgimento di Margot Robbie nel ruolo di Barbie potrebbe portare al personaggio una nuova dimensione e fornire un'interpretazione rinfrescante. La descrizione della società di Barbieland come un matriarcato con donne potenti e indipendenti è un tocco interessante, ma potrebbe richiedere una riflessione accurata sulla rappresentazione del potere e del femminismo nel contesto del film. Le lodi per le scenografie, i costumi e le coreografie sono incoraggianti e suggeriscono che il film potrebbe essere una vera e propria esperienza visiva per il pubblico. Tuttavia, la critica sulla sceneggiatura che affronta troppe linee narrative e assume caratteristiche di predica è un punto di attenzione. Una trama troppo complessa potrebbe rendere difficile seguire la storia e apprezzarne appieno le tematiche femministe. Anche le osservazioni sulla caratterizzazione dei personaggi secondari, come Sasha e Midge, sono valide e suggeriscono che potrebbe esserci spazio per un approfondimento maggiore di questi ruoli per arricchire la storia complessiva. La descrizione della colonna sonora e dell'entusiasmo intorno alla promozione del film sembrano indicare che potrebbe essere un progetto molto atteso e coinvolgente per il pubblico. Questo film sembra avere potenziale come una parabola femminista significativa, ma richiederà una gestione attenta della trama e una caratterizzazione bilanciata dei personaggi per trasmettere pienamente il suo messaggio e coinvolgere il pubblico. La combinazione di una regista talentuosa, un cast di rilievo e produzione di alta qualità potrebbe portare a un'esperienza cinematografica unica e significativa per i fan di Barbie e per il pubblico in generale. La scelta di Greta Gerwig come regista e sceneggiatrice è altrettanto promettente. Gerwig ha dimostrato la sua abilità nel raccontare storie femminili in modo autentico e coinvolgente. La sua esperienza dietro la macchina da presa, sia come attrice che come sceneggiatrice, potrebbe portare un tocco personale e una prospettiva unica alla storia di Barbie. L'idea di Barbie che lascia il suo mondo perfetto e si avventura nel mondo reale è affascinante. Questo potrebbe essere un mezzo per esplorare temi di auto-accettazione, crescita personale e affrontare la realtà fuori dagli ideali preconfezionati. Le avventure di Barbie mentre aiuta le persone che incontra lungo il percorso potrebbero trasmettere messaggi di positività, gentilezza e aiuto agli altri, incoraggiando il pubblico a essere altruista e coraggioso. Inoltre, la prospettiva di vedere Barbie in un contesto live-action potrebbe permettere una maggiore esplorazione delle sue relazioni e delle sue emozioni. La dinamica tra Barbie e Ken potrebbe essere esaminata in modo più approfondito, rivelando aspetti più complessi dei personaggi. Anche l'esplorazione delle dinamiche familiari o delle amicizie nel mondo reale potrebbe aggiungere una dimensione interessante alla trama. Il coinvolgimento di Noah Baumbach nella sceneggiatura potrebbe portare profondità e spessore ai dialoghi e ai personaggi. La collaborazione tra Gerwig e Baumbach, entrambi talentuosi registi e sceneggiatori, potrebbe dare vita a una storia ricca di sfumature e riflessioni. Tuttavia, con un personaggio così amato e con così tante aspettative attorno a questo film, ci saranno anche sfide. Dovranno bilanciare la necessità di rivolgersi al pubblico delle bambine che amano Barbie, con la volontà di affrontare temi più profondi e attuali che potrebbero interessare anche un pubblico più maturo. Inoltre, il modo in cui Barbie sarà rappresentata nel live-action sarà cruciale. Dovrà essere una figura femminile forte, indipendente e positiva, ma anche autentica e vulnerabile. La rappresentazione del personaggio dovrà essere bilanciata e rispettosa, per evitare di cadere in cliché o stereotipi dannosi. In conclusione, un live-action su Barbie diretto da Greta Gerwig e interpretato da Margot Robbie è sicuramente un progetto promettente. Potrebbe essere un'opportunità per esplorare temi importanti e attuali, oltre che per dare nuova vita a uno dei personaggi più iconici della cultura pop. Tuttavia, dovrà essere affrontato con attenzione e sensibilità per soddisfare le aspettative dei fan di Barbie e al contempo offrire una storia coinvolgente ed emotivamente significativa. La Trama La trama del live-action su Barbie è un'avventura coinvolgente che esplora temi di auto-accettazione, emancipazione femminile, e la sfida dei ruoli di genere imposti dalla società. Ecco una panoramica più dettagliata della trama: Barbie vive a Barbieland, una società matriarcale in cui le donne sono sicure di sé, autonome e di successo. Mentre i Ken si dedicano ad attività ricreative in spiaggia, le Barbie ricoprono posizioni lavorative importanti. Tuttavia, Barbie si sente sempre più inadeguata nonostante il suo mondo perfetto. Durante un ballo a una festa, Barbie inizia a preoccuparsi della sua morte, e il giorno dopo scopre di non poter più completare la sua routine e di avere fisici non perfetti come la cellulite. Qui entra in scena Barbie Stramba, un'emarginata saggia ma sfigurata, che le dice che per curare le sue afflizioni, dovrà viaggiare nel mondo reale e trovare la bambina che gioca con lei. Così Barbie parte per il mondo reale insieme a Ken, che spera di avvicinarsi a lei in questo viaggio. Arrivati a Venice Beach, i due si trovano coinvolti in molteplici buffonate e finiscono per essere arrestati. L'amministratore delegato di Mattel ordina la cattura di Barbie e Ken. Barbie riesce a rintracciare la sua proprietaria, l'adolescente Sasha, che la critica per aver incoraggiato standard di bellezza irrealistici e consumismo sfrenato. Scopre che Sasha è stata influenzata da Gloria, una dipendente di Mattel e madre di Sasha, che aveva giocato con Barbie durante una crisi di identità, trasferendo le sue preoccupazioni alla bambola. Barbie viene salvata da Sasha e Gloria, e insieme ritornano a Barbieland. Nel frattempo, Ken scopre il sistema patriarcale e si sente rispettato e accettato per la prima volta. Tornato a Barbieland, convince gli altri Ken a prendere il sopravvento, relegando le Barbie a ruoli minori e stereotipati. Barbie cerca di convincere le Barbie e i Ken a far tornare le cose come prima, ma viene respinta. Gloria fa un discorso stimolante su cosa significhi essere una donna, e grazie all'incoraggiamento di Sasha, Gloria, Barbie Stramba e altre bambole emarginate, le Barbie si ribellano e riconquistano il loro potere. Barbie si ritrova in una crisi di identità, ma incontra lo spirito di Ruth Handler, la co-fondatrice di Mattel e inventrice di Barbie, che le spiega che la sua storia è in continua evoluzione e che può diventare ciò che desidera. Alla fine, Barbie decide di diventare umana e tornare nel mondo reale con un nuovo nome, Barbara Handler. Il film termina con Barbara e il suo nuovo partner che la accompagnano al suo primo appuntamento dal ginecologo. La colonna sonora del film È forse la parte più divertente di questo film, prodotta da Mark Ronson, e presenta una vasta gamma di artisti pop famosi. Il progetto musicale vede la partecipazione di numerosi artisti, tra cui Ava Max, Charli XCX, Dua Lipa, Ice Spice, Karol G, Khalid, The Kid Laroi, Lizzo, Nicki Minaj, Ryan Gosling, Tame Impala, Billie Eilish e Sam Smith. Su tutto spiccano il brano Dance the Night di Dua Lipa, Watati, e Barbie World, interpretato da Nicki Minaj e Ice Spice che vede il campionamento del brano Barbie Girl degli Aqua.

I’m a Barbie girl, in the Barbie world. Life in plastic, it’s fantastic!

Il live-action del momento è un progetto ambizioso che porta l'iconico personaggio di Barbie sul grande schermo, interpretato dalla talentuosa Margot Robbie. Il film esplora temi importanti come l'immagine di ...
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Birkin-Gainsbourg. Un affare di famiglia rinchiuso in un album fotografico realizzato dal fratello Andrew Birkin. La Galerie de l'Instant, una delle migliori gallerie fotografiche di Parigi, da sempre specializzata in fotografia d’autore che strizza l’occhio alla ritrattistica di personaggi famosi, questa estate sarà nella sua sede delle vacanze Nizza. Un'occasione per un viaggio in Costa Azzurra e scoprire, durante una visita al 58 rue Gioffredo angolo rue Chauvain, l'album di famiglia di Andrew Birkin. Questo prezioso cofanetto familiare racchiude un centinaio di fotografie che rivelano l'intimità della vita di Jane Birkin. Tutte sono state scattate dal fratello Andrew, che per dodici anni ha fatto parte della vita quotidiana della leggendaria coppia Birkin-Gainsbourg. Dodici anni d'amore. Una storia eterna. Una di quelle che sono diventate leggendarie: Bogart e Bacall, Signoret e Montand, Hardy e Dutronc. Un'alchimia di grazia e talento, passione e tormento. Se il mito Birkin-Gainsbourg continua ad affascinare, è perché Jane non ha mai smesso di alimentarlo. Molto più di una semplice musa, ha dato forma alla leggenda. Testimone privilegiato della vita della sorella, Andrew ha saputo immortalare i diversi periodi della sua vita, una ragazzina saggia con un nastro tra i capelli, la giovane madre di Kate dopo il matrimonio con il compositore John Barry, poi gli inizi della sua storia d'amore con il grande Serge Gainsbourg e la loro vita insieme, l'arrivo di Charlotte, i compleanni, le vacanze, rue de Verneuil, Londra, la campagna. Una quotidianità che grazie a questo lungo e profondo lavoro fotografico intimo e familiare, i curatori della mostra vogliono condividerlo con chi ancora oggi vive il mito di questa coppia, un viaggio nel tempo che racconta dettagliatamente momenti di vita di una famiglia unica e affettuosa! Sia in bianco e nero che a colori, il fotografo amatoriale cattura l'energia di questa straordinaria famiglia Questa esposizione non è proprio una novità: a fine 2019 c’è stata una prima mostra, simile a questa, sempre dedicata a Jane Birkin e sempre con le fotografie scattate da Andrew Birkin, questa volta però in coppia con il fotografo Tony Frank, ritrattista di Serge Gainsbourg. Approfittando dell'uscita quest'anno del bellissimo libro di Andrew "The Intimate Family Album" pubblicato da Albin Michel, la Galerie de l'Instant espone le immagini di questa famiglia piuttosto speciale e la cui storia tutti i francesi conoscono praticamente a memoria. In queste immagini familiari Andrew Birkin ha saputo cogliere l'energia e l'intimità di questi straordinari personaggi. Il ritratto di profilo di Serge con il suo cane Nana e i loro 2 nasi lunghi è tanto semplice quanto perfetto. L'umorismo tutto britannico della foto di Serge che legge il suo giornale con il titolo "l'asciugamano sta bruciando al Gainsbougs" con una faccia sconvolta, è una delizia. Senza contare l'emozione sprigionata dalle foto dei bambini sempre presenti e pronti a giocare con l'obiettivo! La collezione di fotografie ha un tono umoristico e intimo, mostrando anche la famosa ironia britannica di Serge Gainsbourg. Le immagini dei figli sembrano esprimere l'innocenza e l'eternità dei momenti felici dell'infanzia, richiamando il tema del mito di Peter Pan, a cui Andrew Birkin è stato ampiamente interessato e considerato il principale esperto mondiale dell'autore J.M. Barrie, che ha creato il personaggio di Peter Pan. Questo album di famiglia di Andrew Birkin rappresenta una testimonianza unica di una vita circondata da artisti e celebrità, fornendo uno sguardo intimo e affettuoso sulla vita della famiglia Birkin-Gainsbourg e dei loro amici celebri. Chi è Andrew Birkin Andrew Birkin ha sviluppato la passione per la fotografia molto presto, documentando prima la vita della sorellina Jane (hanno un anno di differenza), poi quella della sua coppia con Serge Gainsbourg, di cui è stato intimo fino alla loro separazione nel 1980. Ha così costituito un album di famiglia unico, dando un punto di vista unico sulla vita di questa mitica coppia e dei loro figli Kate e Charlotte. In questo libro svela più di 900 immagini scelte con cura e per lo più inedite. Andrew Birkin ha avuto più vite, con una carriera eclettica nel mondo del cinema e della scrittura: Ha lavorato come assistente di Stanley Kubrick su "2001 Odissea nello Spazio" e come ricercatore per il suo progetto mai realizzato su Napoleone Bonaparte. Come sceneggiatore, ha collaborato con registi come Jaques Demy per "Il suonatore di Flauto" e Jean-Jacques Annaud per l'adattamento cinematografico de "Il Nome della Rosa" di Umberto Eco. Ha anche lavorato con i Beatles nel loro primo film. Mostra dal 4 luglio al 1 ottobre 2023 alla Galerie de Nice, 58 rue Gioffredo Nizza (angolo rue Chauvain) lunedì dalle 14:00 alle 19:00, da martedì a sabato dalle 11:00 alle 19:00 e domenica dalle 14:30 alle 18:30

Birkin-Gainsbourg. Un affare di famiglia rinchiuso in un album fotografico realizzato dal fratello Andrew Birkin.

L'esposizione "Birkin-Gainsbourg: Un affare di famiglia rinchiuso in un album fotografico" presso la Galerie de l'Instant di Nizza presenta un'ampia collezione di fotografie scattate da Andrew Birkin, il fratello di ...
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.Il magico studio fotografico di Hirasaka In uscita il 29 agosto anche “Il magico studio fotografico di Hirasaka” della scrittrice giapponese Sanaka Hiiragi, un romanzo delicato e profondo che parla di vita e di morte. E la sua scrittura, la su apoetica è legata a doppio filo alla fotografia. Scopriamo perché. "Il magico studio fotografico di Hirasaka" sembra essere un romanzo intrigante e profondo, che esplora temi come la vita, la morte, l'amore, e la perdita. Il protagonista, il signor Hirasaka, gestisce uno studio fotografico speciale, dove i visitatori possono rivivere i loro ricordi più preziosi e scattare di nuovo le loro foto preferite. Ogni visitatore è accolto con attenzione e un rituale preciso. Lo studio sembra essere un luogo speciale, situato al confine tra questo mondo e l'aldilà, dove le persone possono avere dei flashback e ricordare la loro esistenza prima di andare oltre. Questa credenza è radicata nella tradizione giapponese, che vede luoghi di passaggio e un processo di ricordi prima della morte. Gli ospiti di Hirasaka ricevono degli scatoloni contenenti foto-ricordo di tutta la loro vita e possono scegliere una foto per ogni anno vissuto. Tuttavia, c'è una regola: non possono interagire con nessuno durante questo processo. La storia sembra essere ricca di emozioni e messaggi consolatori sulla bellezza della vita e sull'importanza di cogliere ogni attimo. Le scelte che i visitatori faranno e le vite che hanno vissuto possono essere affascinanti e coinvolgenti. Non è chiaro perché solo Hirasaka rimanga sempre nello studio, ma potrebbe essere una parte intrigante della trama che viene svelata durante il corso del romanzo. In definitiva, "Il magico studio fotografico di Hirasaka" sembra essere una storia magica e coinvolgente che abbraccia il fascino della tradizione giapponese e riflette sulla vita e sulla morte in modo delicato e profondo. La signora Hiiragi è una scrittrice pluripremiata che ama le macchine fotografiche e la fotografia. Scrive di macchine fotografiche e fotografia per una varietà di media e sui suoi siti di social media condivide molte istantanee che ha scattato con il GR! A febbraio, ha pubblicato il suo libro, "Tengoku kara no takkyubin (Consegna a domicilio dal cielo). Nel capitolo 4, c'è un episodio che parla di un club fotografico e di macchine fotografiche: “Era quando mixi (un sito di social media in Giappone) era in piena espansione.Quando stavo cercando di fare sul serio con la fotografia, ho scoperto che ogni macchina fotografica aveva la sua comunità e ho iniziato a sbirciare in varie stanze della macchina fotografica. Tra questi, ho trovato la stanza GR quella con il senso di distanza più confortevole e le foto più belle. Poi ho iniziato a fotografare con la GR Digital II come un diario, poi GR1, GRIII e GR IIIx. GR è sempre stato il mio buon partner. Porto con me il mio portafoglio, il mio telefono e il mio GR. Lo porto con me quando vado a fare jogging e in campeggio. Ho il mio GR nella mano destra non appena penso: "Oh, grandi nuvole di aeroplani!" Voglio che la mia macchina fotografica sia con me ogni volta che il mio cuore si muove anche solo un po', e penso che la GR sia perfetta per questo. La vita di tutti i giorni è così fragile che sfugge rapidamente ai tuoi ricordi. Che sia il colore di una foglia di banano, il riflesso dell'acqua o un paesaggio innevato, voglio catturarli uno per uno con il mio GR e conservarli come un tesoro”- Chi è Sanaka Hiiragi è una scrittrice, scrittrice, nata a Kagawa, cresciuta a Hyogo e vive a Tokyo. Nel 2013, ha debuttato come vincitrice segreta del "Premio KONOMYS". Una serie di racconti ambientati in un negozio di macchine fotografiche classiche di lunga data a Yanaka, e un romanzo giallo per macchine fotografiche, "Yanaka retoro kamera ten no nazo biyori (Giorni misteriosi allo Yanaka Retro Camera Shop" in tre volumi (Takarajima-sha), hanno portato alla sua scrittura per riviste di fotografia e macchine fotografiche. Ha anche scritto "Jinsei shashinkan no kiseki (Miracoli nello studio fotografico dopo la vita" (Takarajima-sha), una storia su uno studio fotografico speciale che scatta foto di lanterne in corsa. Il 17 febbraio, 2022, è stato pubblicato "Tengoku kara no takkyubin (Consegna a domicilio dal cielo)" (Futabasha).C'è un episodio su un club di fotografia e macchine fotografiche nel capitolo 4 del romanzo.Un romanzo giallo umoristico su tre ragazze in una scuola di fotografia e un l'uscita della fotocamera di grande formato è prevista per luglio Photo & Culture, Tokyo PCT “Sanaka Hiiragi no kamera numa (Le fotocamere senza via d'uscita di Hiiragi Sanaka)” viene pubblicato settimanalmente. La casa editrice regala l’incipit del libro e noi volentieri lo ripubblichiamo! “Benvenuta nel mio studio fotografico, signora Hatsue. Queste fotografie raccontano la sua vita: le è concesso di tornare indietro nel tempo e scattare di nuovo la sua foto preferita. Ma potrà farlo solo una volta e non potrà parlare con nessuno. È pronta?” Quella della signora con l’autobus Le lancette e il pendolo del vecchio orologio a colonna erano ferme. Hirasaka tese l’orecchio. Lo studio fotografico era così silenzioso che gli sembrò di sentire un ronzio. Le scarpe di pelle affondavano nel tappeto rosso un po’ rétro. Accarezzò le genziane disposte con cura sul bancone. Le ruotò leggermente. In fondo all’androne c’era una larga porta a due battenti, socchiusa, oltre la quale si intravedeva lo studio. Sotto una luce fioca era steso un fondale di carta davanti a cui era stata sistemata, su un lato, una lussuosa poltrona. Su un piedistallo, una grossa macchina fotografica a soffietto. Piedistallo e macchina fotografica erano di legno robusto, più grandi del normale; suscitavano puntualmente lo stupore dei clienti, che dicevano: “È incredibile, questa macchina: sembra un cofanetto di legno”. I più esperti invece commentavano: “Ah, che nostalgia. È una Anthony, vero?”, e da lì partivano lunghe conversazioni. Appena il tempo di chiedersi a chi appartenesse l’ombra obliqua fuori dalla finestra che sentì chiamare: “C’è una consegna! Una consegna per il signor Hirasaka”. E poi un toc-toc, toc-toc allegro. Hirasaka aprì pensando a quel tipo che ripeteva continuamente gli stessi gesti, eppure sembrava sempre divertirsi un mondo. Sulla soglia trovò il giovane fattorino in divisa. Portava il berretto con la visiera all’indietro, e come al solito spingeva un carrello portapacchi. Guardò la scatola posata sul carrello e ne sottolineò le dimensioni con un mezzo sorriso. All’altezza del petto, sulla divisa c’erano un gatto bianco stilizzato e il nome dell’addetto, Yama. Era calvo, e con un’abbronzatura che gli dava un aspetto gradevole. “La sua prossima visita sarà una graziosa signorina,” disse porgendogli la cartella delle ricevute. “Bugiardo,” ridacchiò Hirasaka mentre firmava. “Signor Hirasaka, non riuscirà mai a portare da solo un pacco così grande, non vuole che la aiuti? Consegne così voluminose non ne facevo da un pezzo. Le fotografie che ci sono qui dentro avranno cent’anni, secondo me.” I due sollevarono insieme la grossa scatola e la appoggiarono sul bancone. Era così pesante che si ritrovarono entrambi senza fiato. “Signor Hirasaka, cos’è, si è ravveduto? Non è che ha deciso di cambiare mestiere?” ridacchiò Yama. “Forse sì. Tra un po’, però.” “Figuriamoci,” ribatté Yama sistemandosi il berretto. “Bene, vado, mi aspetta un’altra consegna. Abbiamo ogni giorno il nostro bel da fare noi due, non è vero? Cerchiamo di non rimetterci le penne.” “Non penso proprio che ci sia questo rischio.” Yama fece un cenno con la mano e se ne tornò spingendo il carrello, la cartella delle ricevute sotto il braccio. Hirasaka allestì lo studio per la sua prossima cliente, la signora Yagi Hatsue. Pregava sempre di “vederli andar via” contenti, che le fotografie fossero di loro gradimento. E poi... Di riuscire a incontrare finalmente quel “qualcuno” che cercava da tempo. * * * “Signora Hatsue! Signora Yagi Hatsue!” chiamò una voce maschile. Sentendo il proprio nome, Hatsue si svegliò di colpo. Dove si trovava? Era distesa sul fianco, su un divano, qualcuno l’aveva addormentata. Sopra di lei, un soffitto sconosciuto e il volto preoccupato di un uomo che la scrutava. Provò a frugare tra i ricordi più recenti per cercare di capire se, per caso, fosse svenuta a causa del gran caldo degli ultimi giorni, ma si rese conto che la sua memoria era avvolta da una specie di bruma. Mi chiamo Hatsue, ho novantadue anni, sono nata nel quartiere di Toshima: bene, le mie rotelle sono ancora tutte a posto, o almeno credo. Osservò agitata il viso dell’uomo. Evidentemente si conoscevano, perché l’aveva chiamata per nome. Ma chi era...? Forse aveva trovato il suo nome tra i suoi effetti personali mentre era priva di sensi. Cercò di sollevarsi e intanto si sforzava di ricordare. Piano piano, si fece avanti con le spalle badando a non affaticare la schiena. Anche se era svenuta non si sentiva particolarmente acciaccata. Restava il problema di chi fosse quel tale. Fino ad allora, ogni volta che qualcuno per strada le aveva rivolto la parola era sempre riuscita a capire di chi si trattava, e allora diceva: “Sei Tizio, sei Caio...?”. E lo faceva contento. Con l’età la mente si arrugginisce, che disdetta. “Benvenuta. La aspettavo,” le disse l’uomo. Puntò l’indice verso sé stessa, come a chiedergli se parlasse proprio con lei, e lui fece sì con la testa. “Lei è la signora Hatsue, no?” “Be’, sì...” Osservò l’uomo dal basso. Portava una camicia grigia con il colletto inamidato. Aveva i modi pacati dei pastori o dei preti. I capelli ben pettinati. L’aria gentile ma non del tutto trasparente. Non era bello da far girare la testa ma nemmeno brutto, un tipo dall’aspetto piuttosto ordinario, che poteva assomigliare a chiunque e a nessuno. “Mi chiamo Hirasaka, e gestisco da molti anni questo studio fotografico,” si presentò. Hatsue si accorse di non avere più il bastone. Forse le era caduto quando aveva perso i sensi? Vedendo che si guardava intorno, Hirasaka pensò di doverle spiegare dove si trovava, e così le disse: “Quando si entra, sulla sinistra, c’è lo studio vero e proprio. Ma per le fotografie a volte usiamo anche il giardino interno. Sulla destra ci sono la sala d’attesa e il laboratorio. Glieli mostro”. Hatsue non cambiava mai: quando qualcosa le interessava, voleva sapere tutto. E adesso avrebbe voluto sapere perché il proprietario di quello studio fotografico la stesse aspettando. E che cosa potesse mai desiderare da lei. E soprattutto, come fosse arrivata fin lì. “Prego, mi segua,” le disse, e così lei, che in realtà avrebbe avuto una montagna di domande da fargli, si limitò ad alzarsi lentamente. Era da tanto tempo che non camminava senza aiutarsi con il bastone. Si appoggiò al divano, fece forza sulle braccia e alla fine riuscì a spostarsi. Stranamente si sentiva bene, non le faceva nemmeno male la schiena. Hatsue seguì piano piano Hirasaka. Lui le usò la cortesia di porgerle la mano. Nella sala d’attesa tutto era tranquillo. Il divano in pelle era logorato dall’uso, ma si vedeva che lo tenevano ben pulito, e anche il vecchio tavolo in legno faceva bella figura. Tutto trasmetteva una sensazione di attenzione e cura, non di sperpero da collezionisti, e Hatsue si disse che quel giovanotto sembrava avere davvero buon gusto. Nel giardino oltre la vetrata brillavano tante piccole luci e guardando meglio notò che erano lanterne in pietra ricoperte di muschio, e poi c’erano ciliegi dai rami penduli e tsuwabuki che, se usate come sfondo per fotografie in kimono, ne avrebbero fatto risaltare le fogge e i colori. In un angolo della stanza c’era una vetrina con una collezione di bollitori elettrici, bicchieri con il sifone per preparare il caffè e tazzine. Fu colpita dall’assenza di polvere – Hirasaka, pensò, doveva essere un amante della pulizia. Poi, notò una grossa scatola sul tavolo. “Le preparo un tè,” disse Hirasaka dandole le spalle, e cominciò a disporre tazze e teiera con mano sicura. Hatsue si fece coraggio e lo chiamò: “Mi scusi”. Hirasaka si voltò. “Scusi se ciò che sto per chiederle potrà sembrarle strano.” “Dica,” la esortò a continuare. “Ecco... Per caso io... sono morta?” Hirasaka sgranò leggermente gli occhi. “...Sì, giusto poco fa. Normalmente avrei dovuto dirglielo io, ma capita che qualcuno se ne renda conto da solo, anche se è raro.” Le rispose in modo così naturale che Hatsue non capiva se dovesse sentirsi sollevata, divertita o compiaciuta per la propria perspicacia. Il tè era perfettamente equilibrato, né troppo forte né troppo leggero. Lei aveva sempre pensato che i morti avessero un aspetto ben definito. Un panno sulla testa o il corpo semitrasparente. E invece sentiva ancora i piedi saldi per terra. Così come la consistenza della tazza e il sapore del tè. Andò a sedersi mentre Hirasaka la seguiva con lo sguardo. Si mise a riflettere. “Però, vede, avevo sempre pensato che ad accogliermi nell’altro mondo avrei trovato mia madre, mio padre o mio marito.” E invece aveva trovato quell’uomo a lei sconosciuto di nome Hirasaka. Sul suo volto doveva essere comparsa un’ombra di delusione, perché lui le disse: “Ma no, questo è ancora un luogo di passaggio”. Hatsue rifletté ancora e poi replicò: “Senta, ma per caso il suo nome è ispirato al luogo chiamato Yomotsuhirasaka, nel Kojiki? Il pendio da cui si accede al mondo dei morti, dove Izanagi si reca alla ricerca di Izanami?”. Hirasaka sembrava stupito dalla domanda. Era vero che Yomotsuhirasaka era il nome del pendio che collegava il mondo dei vivi a quello dei morti. “Sa tante cose.” Hatsue aveva sempre amato leggere ed era curiosissima, queste nozioni di cultura generale erano il suo forte. Qualche volta si vantava di non essere ancora del tutto arrugginita. “È proprio così. In buona sostanza, questo posto è al confine tra la vita e la morte.” “E ad aspettarmi ho trovato lei.” “Già. Proprio nel mezzo.” “Quindi, non sono ancora finita all’altro mondo.” “No.” “E mi dica, signor Hirasaka, lei ha a che fare con il re degli Inferi, per caso? Con qualche divinità? Buddha, forse? Certo, però, che...” Hirasaka era così calmo e sorridente che stava quasi per sfuggirle il seguito. (Certo, però, che a guardarla non si direbbe!) Il modo in cui beveva il tè era in tutto e per tutto umano. “Sono solo una guida. Faccio il possibile per evitare traumi alle persone, perché sentendosi dire di punto in bianco ‘Sei morto’ uno potrebbe mettersi a piangere, deprimersi o strepitare, ed è successo tante volte, mi creda. Quindi, lo studio fotografico funziona un po’ come un ultimo collegamento con la realtà.” Hatsue si guardò intorno. In effetti sembrava un normalissimo studio fotografico. Certo, se si fosse trovata improvvisamente davanti al re degli Inferi si sarebbe messa a tremare e non avrebbe più detto una parola. “Ecco perché in questo momento lei indossa i suoi soliti vestiti, signora Hatsue. È importante che il suo aspetto esteriore rifletta il modo di essere a lei più familiare.” “Che bello, il mio ginocchio è guarito,” disse lei muovendo avanti e indietro la gamba destra, e Hirasaka annuì. “Se mentre è qui si mette a correre, suderà e avrà il fiato corto. Proprio come quand’era in vita, capisce?” Hatsue chiuse e riaprì le mani. Era vero, era tutto uguale a quando era viva. Non riusciva a credere che quello non fosse più il suo vero corpo. “E quindi dovrò spostarmi da qui? Andare nel cosiddetto ‘aldilà’?” Se proprio doveva andare, pazienza, ma voleva sapere cosa l’aspettava. La agitava non riuscire a immaginare quello che le sarebbe capitato di lì a poco. “Esatto. Prima, però, vorrei che facesse qualcosa per me.” E così dicendo cominciò a frugare nella grande scatola appoggiata sul tavolo. Ne estrasse alcuni involti di quelli che sembravano documenti. Ogni involto era chiuso da un foglio di carta bianco. Li tirò fuori uno dopo l’altro, tanti che non riusciva a tenerli con una mano sola. “Cosa sono quelli? Per caso avrebbe un paio di occhiali? Senza, non riuscirei a leggere niente.” “Riuscirà a leggerli benissimo, mi creda. Provi a concentrarsi solo sulla vista.” Così fece, guardò quei fogli che aveva tra le mani, concentrata, e si rese conto di poter mettere a fuoco come mai prima di allora. Era da tempo che non riusciva a distinguere tanti dettagli a occhio nudo. “Oh...” esclamò Hatsue vedendo cosa aveva in mano. Fotografie. Una quantità enorme. Non sapeva nemmeno chi potesse averle scattate, raffiguravano una piazza nelle vicinanze della casa in cui abitava da bambina, il padre e la madre da giovani e tante altre scene. Erano fotografie di formato leggermente più grande del solito, e facevano un bellissimo effetto. “Queste fotografie raccontano la sua vita, signora Hatsue. Una per ogni giorno, trecentosessantacinque per ogni anno. Di anni lei ne ha novantadue, quindi il totale è un numero impressionante...” Hatsue le sfogliò una a una. E puntualmente le ricordavano qualcosa che aveva dimenticato. L’occhialino che andava a posarsi su un ramo dell’albero di cachi vicino al cancello della loro casa. Le fessure sulla vecchia cassetta del latte. Le strisce di luce che filtravano attraverso lo scorrevole intagliato all’ingresso. “Ha tutto il tempo, le guardi pure con calma. Vorrei che tra queste scegliesse una fotografia per ogni anno, novantadue in tutto. Ha piena libertà, scelga quelle che le piacciono di più.” “Scegliere?” Era perplessa. Hirasaka aprì la porta sulla destra, quella che dava sul laboratorio, dove si vedeva uno strano telaio in legno. Nel mezzo aveva una specie di piatto destinato a contenere chissà cosa, e il piatto era sostenuto da quattro colonnine. Anche il piedistallo pareva robusto. E poi c’erano delle asticelle simili ai bastoncini di bambù dei diffusori, e delle specie di girandole. Era tutto di legno bianco, grezzo, come se quegli oggetti dovessero ancora essere terminati. “Lei sceglierà le fotografie e io le userò per la lanterna girevole.” Hatsue raggelò. “Cosa? Intende la lanterna girevole che si vede quando si sta per andare all’altro mondo?” “Esatto, proprio quella.” “E quindi siamo noi a scegliere le nostre fotografie?” Hirasaka appoggiò una mano sul telaio in legno. “Sì, ciascuno può scegliere le fotografie che preferisce.” “Dunque, ognuno sceglie le foto per la propria lanterna girevole...” ripeté, ancora incredula, Hatsue. “Con novantadue anni a disposizione, può venir fuori una lanterna coi fiocchi. Non vedo l’ora di mostrargliela.” Hatsue aveva sentito dire che la lanterna girevole appare quando si è in punto di morte, ma non immaginava che avrebbe avuto l’occasione di comporla lei stessa. “In effetti, ho saputo di persone che stavano per morire e hanno visto la lanterna.” “Sì, certo, anche se il numero di quelli che arrivano fin qui e poi riescono a tornare indietro rappresenta una percentuale minima rispetto al totale. Credo però che tutti dimentichino di essere stati in questo studio e di aver scelto le proprie fotografie. Rimane solo un vago ricordo della lanterna girevole. Guardi questa stanza.” Hirasaka uscì dalla sala d’attesa e aprì la porta dirimpetto. Proprio al centro di una stanza bianchissima c’era una chaise-longue dall’aria molto confortevole. La stanza perfettamente quadrata era tutta bianca, compresi pavimento e chaise-longue, e sembrava una specie di installazione artistica. Sul lato destro c’era una porta che con ogni probabilità conduceva all’esterno. “In quella stanzetta l’opera giungerà a compimento, con l’accensione della lanterna girevole. Lo spettacolo sarà riservato unicamente a lei, signora Hatsue. Se lo vorrà, però, potrà consentire anche a me che l’avrò composta di assistere insieme a lei.” Una lanterna girevole. Si accende la luce e comincia a ruotare. Le immagini del passato, impresse su carta di riso, diventano motivi floreali attraversati da bagliori rossi e gialli, e girano e girano: così se la ricordava. “E quindi il trapasso non è questione di pochi istanti, come guadare un fiume.” “Lo definirei la cerimonia finale della nostra esistenza, quella che ci consente di guardarci indietro un’ultima volta.” Già che c’era, decise di fargli la domanda a cui pensava da tempo. “E se questo è un luogo di passaggio, che ne sarà di me d’ora in avanti?” Hirasaka abbassò gli occhi, poi la guardò. Sembrava non trovasse le parole. “Deve scusarmi. Di ciò che viene dopo, io stesso so qualcosa solo per sentito dire. Non ne ho esperienza diretta. Tutti coloro che hanno proseguito non sono mai tornati indietro.” Il pensiero di cosa avrebbe trovato dall’altra parte la agitava. Forse si sarebbe semplicemente spenta, estinta. “Ho sentito che gli spiriti che sono riusciti a completare il ciclo di morte e rinascita si reincarnano in un’altra forma e vivono una nuova vita.” Hirasaka ritornò nella sala d’attesa e versò dell’altro tè. Lui e Hatsue portarono la tazza alle labbra nello stesso momento. Sorseggiando il suo tè, Hatsue si mise a ragionare. A un certo punto quella sensazione di calore sulla lingua sarebbe svanita, avrebbe dimenticato ogni cosa... E magari morire significava proprio perdere contezza di tutto questo. Hirasaka, accortosi forse da una qualche ombra sul suo viso che Hatsue era turbata, le rivolse la parola come per distrarla. “Penso che quando si troverà dall’altra parte lei non scomparirà del tutto, signora Hatsue. L’anima conserva i ricordi dormienti di tutti coloro che ci hanno preceduto, questo lo so per certo.” E si interruppe alla ricerca di un esempio, borbottò qualcosa, poi riprese: “Le è mai capitato di incontrare qualcuno per la prima volta e avere la sensazione di conoscerlo già, o che un luogo mai visitato prima le sia per qualche motivo familiare?”. “Sì, certo,” rispose Hatsue. “Per esempio, anche qui mi sembra di esserci già stata.” Hirasaka sorrise e ribatté: “Ecco, forse è la sua anima che ricorda. Però, vede, se la nostra vita è troppo piena di rimpianti e di rimorsi, se siamo troppo attaccati alle cose, allora il nostro cammino verso l’altro mondo diventa molto più difficile. E se non riusciamo ad arrivarci, la nostra anima resta intrappolata nello stesso posto per l’eternità”. Hatsue fece sì con la testa. “Dunque, signor Hirasaka, ricapitolando: adesso devo scegliere delle fotografie in numero pari a quello dei miei anni e comporre la lanterna girevole insieme a lei, giusto? Poi la guarderò ruotare, troverò la pace e completerò il mio ciclo.” Aveva ancora del lavoro da fare, quindi. Anche da morta, gli impegni c’erano sempre. “Una volta arrivati qui, poco conta che uno sia stato un grand’uomo o un miliardario: con noi possiamo portare solo i ricordi.” Hatsue osservò la montagna di fotografie che torreggiava su di lei. Quanto ci avrebbe messo a guardarle tutte? “Nell’epoca dei computer e degli smartphone, le lanterne girevoli si costruiscono ancora a mano... Chi l’avrebbe mai detto?” Le sembrava un po’ strano che, dopo la morte, le si chiedesse di scegliere non degli oggetti o dei video, bensì delle fotografie. Hirasaka ne prese una dalla montagna che aveva davanti. “Facciamo una prova usando questa fotografia che ha a che fare con lei, signora Hatsue. Si ricorda dove è stata scattata?” Gliela passò. Raffigurava una strada in discesa. “Ah...” Se lo ricordava. Si vedeva, a perdita d’occhio, un campo attraversato da quella strada in discesa. Un vento sibilante increspava un mare di spighe... Corse fino in fondo alla strada e sentì il sudore sulle tempie. L’odore secco del vento, sapore di sale sulle labbra. Davanti a sé, in lontananza, vide levarsi in volo, forse sorpreso, un airone. Si allontanò nel cielo azzurro fino a diventare un puntino bianco. Lo guardò finché non lo vide più, il vento le sollevò un lembo del kimono e il sibilo si trasformò in fragore. Se lo ricordava. Era ancora bambina, e l’estate sembrava destinata a durare per sempre. Il suo corpo era ancora forte, avrebbe potuto correre all’infinito su e giù per quella strada. “Si è ricordata?” “Sì, è la strada che passava tra i campi, la facevamo per andare nella città vicino alla nostra. Mi piaceva moltissimo.” Nel momento stesso in cui si trovò la fotografia tra le mani fu assalita dai ricordi e dalle emozioni. “E se la ricordava anche prima?” “No, l’avevo completamente dimenticata. Rimossa. Laggiù ormai hanno costruito dappertutto, è diventata una zona residenziale.” Hirasaka riprese la fotografia e la guardò. “È una veduta meravigliosa.” “Un paesaggio che non esiste più da nessuna parte, però.” Hirasaka gliela restituì. “Guardando questa fotografia mi sono tornate in mente tante cose. Tanti ricordi di quel periodo.” Hatsue osservava attentamente l’immagine. Si accorse che era composta da una miriade di piccoli grani, mille puntini colorati. Era solo una combinazione di colori, e invece i quattro lati di quel rettangolo racchiudevano tutti i suoni, il vento, gli stati d’animo e l’atmosfera del momento in cui la fotografia era stata scattata. Tutto nascosto da qualche parte dietro ai puntini colorati. “È proprio vero che le fotografie hanno una loro forza,” disse calmo Hirasaka. Hatsue continuava a guardarla. Era un’immagine senza alcuna ambizione artistica, niente di più che una semplice strada di campagna. Ma anche un paesaggio ormai perduto, che non esisteva più in nessun altro luogo. Una fotografia di poco conto, che tuttavia per Hatsue era qualcosa di estremamente prezioso. Hirasaka la invitò a sedersi per selezionare le fotografie. Lei le prese dagli involti, una per una, e cominciò a disporle davanti a sé. Ma ogni fotografia assorbiva a tal punto la sua attenzione che faticava ad andare avanti. A mano a mano che le sfogliava, si accorgeva di aver dimenticato tante cose. E di non ricordarsi nemmeno di averle dimenticate – per quanto ovvia le apparisse quest’affermazione. C’erano episodi che aveva rimosso, cose del cui aspetto non aveva più memoria, ma che le tornavano in mente quando le rivedeva. Nel mentre, Hirasaka si teneva abbastanza lontano da non darle fastidio, ma anche abbastanza vicino da trovarsi pronto nell’eventualità in cui avesse avuto qualche domanda da fargli. Aprì la porta del laboratorio e cominciò ad allestire il telaio della lanterna. Si preannunciava di dimensioni notevoli, difficilmente un uomo solo avrebbe potuto trasportarla; d’altronde, avrebbe contenuto novantadue fotografie. Novantadue fotografie erano una bella sfida. Già guardarle e sceglierle era piuttosto faticoso, e per dirla tutta Hatsue non era tanto sicura di riuscire a passare in rassegna ogni singolo involto contenuto nella scatola. Quando era arrivata suppergiù all’equivalente di sette anni, Hirasaka si avvicinò.

“Il magico studio fotografico di Hirasaka”. Il nuovo romanzo di Sanaka Hiiragi

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L’Italia respira “una boccata d'arte 2023”. Con Follow the braid, opera e fotografie di Laetitia KY a Rocca Sinibalda – Rieti. Nata durante la pandemia, dal 2020 Una Boccata d’Arte è un appuntamento consolidato che ogni anno coinvolge 20 borghi con meno di 5mila abitanti, situati in aree diverse per riscoprire l’intero territorio regionale, con l’obiettivo di valorizzare il patrimonio storico e paesaggistico di piccoli centri, lontani dai circuiti tradizionali dell’arte e del turismo. Inaugurata il 24 giugno, fino al 24 settembre Una Boccata d'Arte unisce 20 artisti a 20 piccoli borghi nelle 20 regioni italiane. Il progetto d’arte contemporanea è promosso da Fondazione Elpis in collaborazione con Galleria Continua e con la partecipazione di Threes. È davvero meraviglioso sapere che durante la pandemia sia nato un evento culturale come "Una Boccata d'Arte." Questo appuntamento annuale coinvolge 20 borghi con meno di 5.000 abitanti, situati in diverse aree per riscoprire l'intero territorio regionale. L'obiettivo principale di questa iniziativa è valorizzare il patrimonio storico e paesaggistico dei piccoli centri, che spesso sono lontani dai circuiti tradizionali dell'arte e del turismo. Una Boccata d’Arte è promossa da Fondazione Elpis in collaborazione con Galleria Continua e con la partecipazione di Threes. Nata nel 2020 in piena pandemia, l’iniziativa ha voluto dare un forte segnale di incoraggiamento in un periodo di grande incertezza, promuovendo l’incontro tra pratiche artistiche contemporanee e luoghi lontani dalle rotte turistiche più battute. "Una Boccata d'Arte" nasce nel 2020 da un'idea di Marina Nissim, Presidente di Fondazione Elpis, come reazione alla pandemia. L'obiettivo era dare un segnale di incoraggiamento alle comunità locali e fornire opportunità di espressione per artisti emergenti e affermati. “È un momento molto intenso, di grande fermento, per Fondazione Elpis: lo scorso autunno abbiamo inaugurato la nostra sede a Milano, un passo importante nato dalla volontà di creare un punto di riferimento stabile e di collegamento fra tutti i luoghi, gli artisti, le persone che abbiamo incontrato in questi anni” spiega Marina Nissim, Presidente di Fondazione Elpis. “Una preziosa rete, umana e professionale che continua a crescere attraverso processi di scambio e di condivisione in Italia e all’estero. Ad arricchirla ulteriormente è l’edizione in corso di Una Boccata d’Arte, la quarta, che anche quest’anno rinnova la propria vocazione internazionale e conferma la volontà di dare spazio ai giovani, alla loro capacità di proporsi in maniera sempre originale, lavorando con media diversi e attivando un dialogo artistico e umano sorprendente in grado di incuriosire e coinvolgere le comunità locali, tra performance e laboratori per bambini. Un ringraziamento particolare va ai sindaci e alle amministrazioni locali che in alcuni casi si candidano spontaneamente per partecipare e valorizzare così il proprio territorio attraverso lo sguardo inedito degli artisti”. L'iniziativa coinvolge annualmente 20 borghi con meno di 5.000 abitanti, situati in diverse aree per riscoprire e valorizzare il patrimonio storico e paesaggistico di piccoli centri, spesso lontani dai circuiti tradizionali dell'arte e del turismo. Questi luoghi raccolti diventano il contesto ideale per la sperimentazione artistica e la creazione di nuovi immaginari. Il progetto ha creato una rete diffusa di relazioni e partecipazioni, coinvolgendo fino ad ora 80 comuni e 80 artisti, oltre a sponsor tecnici, associazioni locali e altre persone che contribuiscono alla realizzazione degli interventi. Una Boccata d'Arte è un'esperienza artistica alla portata di tutti, con una particolare attenzione alle ultime generazioni. Gli artisti coinvolti, con diverse età, formazioni e pratiche, sono invitati a realizzare interventi legati alla storia e alle tradizioni del luogo e delle persone che lo abitano. L'arte viene resa accessibile a tutti, portata nei luoghi pubblici, piazze e vie dei paesi, anche in quelli più remoti. Ciò permette di attivare un processo creativo inclusivo e di creare una stretta connessione tra gli artisti, gli abitanti, le amministrazioni, le associazioni, i commercianti e gli artigiani locali. In questo modo, l'evento può rivolgersi a un pubblico sempre più ampio e trasversale. Durante l'estate, "Una Boccata d'Arte" offre la possibilità di scoprire mostre, progetti e installazioni site-specific in luoghi inaspettati, realizzati da artisti provenienti non solo dall'Italia ma anche da altre parti del mondo come Brasile, Cipro, Costa d’Avorio, Germania, Iran, Israele, Lettonia e Palestina. Ciascun artista crea un intervento inedito, entrando in relazione con la storia del borgo e dei suoi abitanti, combinando le peculiarità del luogo con la propria ricerca personale. Le foto che ho scelto per rappresentare questo evento di portata nazionale, sono quelle dell’opera di Laetitia KY, Follow the braid, a Rocca Sinibalda (RI), Lazio. L’opera è stata realizzata con il sostegno di Fondazione Elpis nell’ambito di Una Boccata d’Arte 2023. Questo consiste in una statua in scala 1:1 del corpo dell’artista, dotata di capelli realizzati con lunghe corde intrecciate che si diramano tra le vie del borgo conducendo il pubblico ad una serie di fotografie installate in luoghi nascosti. Questo tipo di iniziativa è importante perché aiuta a promuovere il turismo sostenibile e a favorire lo sviluppo economico e culturale delle comunità locali. Le regioni rurali spesso possiedono un patrimonio culturale e storico unico, ma possono essere trascurate dalle masse turistiche che preferiscono visitare le grandi città o le destinazioni più popolari. Con "Una Boccata d'Arte," si crea un'opportunità per far emergere la bellezza di questi borghi meno conosciuti, portando attenzione e risorse alle comunità locali. Attraverso l'arte e la cultura, si possono creare nuove opportunità per i residenti e per gli artisti che possono esprimere la propria creatività e interagire con il pubblico. Inoltre, l'evento contribuisce a rendere accessibile l'arte e la cultura anche a persone che vivono in aree remote o meno servite da strutture culturali. Ciò può portare a una maggiore inclusione e partecipazione della comunità, stimolando un senso di orgoglio e appartenenza verso il proprio territorio. Gli artisti invitati e i borghi ospitanti sono: Stefanie Egedy a Fénis (AO) in Valle d’Aosta, a cura di Threes; Invernomuto a Vermogno – frazione di Zubiena (BI) in Piemonte, a cura di Threes; Leonardo Meoni a Castelvecchio di Rocca Barbena (SV) in Liguria; Jacopo Benassi a Gardone Riviera (BS) in Lombardia, a cura di Threes; Benjamin Jones a Pieve Tesino (TN) in Trentino-Alto Adige; Diego Perrone a Costozza – frazione di Longare (VI) in Veneto; Judith Hopf a Aquileia in Friuli-Venezia Giulia; Raghad Saqfalhait a Travo (PC) in Emilia-Romagna; Theodoulos Polyviou a Fosdinovo (MS) in Toscana; Mattia Pajè a Toscolano – frazione di Avigliano Umbro (TR) in Umbria; Margherita Raso a Petritoli (FM) nelle Marche; Laetitia KY a Rocca Sinibalda (RI) nel Lazio; Simone Carraro a Pietracamela (TE) in Abruzzo; Diego Miguel Mirabella ad Agnone (IS) in Molise; Serena Vestrucci a Cetara (SA) in Campania; Evita Vasiļjeva a Maruggio (TA) in Puglia; Arianna Pace a Rivello (PZ) in Basilicata; Mohsen Baghernejad Moghanjooghi a Santa Severina (KR) in Calabria; Ella Littwitz a Pollina (PA) in Sicilia; Raffaela Naldi Rossano a Belvì (NU) in Sardegna. Speriamo che "Una Boccata d'Arte" continui a crescere e a ottenere il sostegno necessario per diffondere il suo messaggio di valorizzazione del patrimonio culturale e paesaggistico dei borghi rurali. Questo tipo di iniziative possono davvero fare la differenza nel mantenere viva l'identità culturale di queste comunità e nell'aprire nuove prospettive per il loro sviluppo sostenibile.

L’Italia respira “una Boccata d’Arte 2023”. Con Follow the braid, opera e fotografie di Laetitia KY a Rocca Sinibalda – Rieti.

"L'Italia respira una boccata d'arte 2023" parla dell'evento culturale annuale chiamato "Una Boccata d'Arte." Questo appuntamento è stato creato nel 2020 durante la pandemia e coinvolge 20 borghi italiani con ...
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Fotografia e poesia. Quando le immagini di Gregory Crewdson incontrano i versi di Mark Strand. Entrambi gli artisti riescono a trasmettere un senso di estraniamento e di ricerca interiore nelle loro opere. Mentre la poesia di Strand lo fa attraverso le parole e le immagini evocative, le fotografie di Crewdson raggiungono lo stesso risultato attraverso composizioni visive e tecniche di illuminazione teatrali. Immaginiamo come il poeta americano Mark Strand, noto per la sua poesia riflessiva e contemplativa, potrebbe analizzare una fotografia di Gregory Crewdson. Nella fotografia di Gregory Crewdson, un'atmosfera intrisa di mistero e luce, emerge dall'oscurità come un sogno sospeso. Un'ombra si stende sulla scena urbana, rivelando il segreto dietro il quotidiano. Le luci sembrano danzare con l'oscurità, I colori si fondono, sfilacciando il reale, E nelle pieghe dell'immagine, si nascondono storie, di solitudini silenziose e pensieri nascosti. L'occhio del fotografo cattura l'attimo, come un istante sospeso nel tempo, e nella quiete dell'immagine congelata, Risiede un'inquietudine sottile eppure palpabile. Crewdson dipinge con la luce e le ombre, creando un palcoscenico per l'anima, dove personaggi anonimi si perdono e si ritrovano, in un balletto di emozioni e introspezione. La scena urbana diventa un teatro dell'umano, In cui la solitudine si fonde con la bellezza, e il profondo senso di estraneità, ci spinge a riflettere sulla nostra stessa esistenza. Il poeta osserva questa fotografia di Crewdson, E si avvicina all'essenza della vita umana, Nell'infinita ricerca di significato e connessione, Tra la luce e l'oscurità, tra l'ombra e la luce. Gregory Crewdson è un fotografo statunitense nato il 26 settembre 1962 a Brooklyn, New York. È noto per le sue fotografie altamente teatrali e cinematografiche, che spesso ritraggono scene ordinarie trasformate in momenti carichi di tensione, mistero e inquietudine. Crewdson ha studiato alla State University of New York al Purchase College, dove ha ottenuto una laurea in Belle Arti nel 1985. Ha poi continuato i suoi studi alla Yale University, dove ha conseguito un Master of Fine Arts in Fotografia nel 1988. Durante il suo percorso di studi, ha iniziato a sviluppare uno stile unico e riconoscibile, caratterizzato da una cura meticolosa per i dettagli, l'uso complesso della luce e delle luci artificiali e l'elaborazione di scenari altamente elaborati. Le fotografie di Crewdson spesso catturano scenari urbani o suburbani, con una particolare attenzione all'architettura e all'ambiente circostante. Le sue immagini sembrano quasi estratte da una scena di un film, con una narrazione sottesa o una tensione che richiede spesso interpretazione da parte dello spettatore. Queste caratteristiche lo hanno reso un fotografo molto apprezzato e celebre nel campo dell'arte contemporanea. Per creare le sue opere, Crewdson impiega team di produzione e grandi squadre di tecnici, ricorrendo a set complessi e dettagliati per realizzare le sue visioni. Il processo fotografico richiede lunghi tempi di preparazione e l'uso di attrezzature sofisticate. Le fotografie di Crewdson sono state esposte in molte mostre e sono presenti nelle collezioni di importanti musei e istituzioni artistiche di tutto il mondo. Il suo lavoro ha influenzato numerosi fotografi e artisti, e le sue immagini sono spesso oggetto di discussione e analisi nel contesto dell'arte contemporanea. Gregory Crewdson è un fotografo che va ben oltre la semplice rappresentazione del reale. Le sue opere vanno oltre la fotografia documentaristica e si avvicinano più a una creazione di mondi e narrazioni, attraverso una combinazione di elementi psicologici e artistici. Il suo background culturale, influenzato dal padre psicanalista e dallo studio dell'opera del pittore realista Edward Hopper, lo ha spinto a esplorare le componenti dell'inconscio umano e ad avere uno sguardo critico sulla luce e i colori nella sua fotografia. Nelle sue immagini, si percepisce una realtà immobile e inquietante, dove pare che sempre qualcosa debba accadere, ma puntualmente nulla avviene. L'osservatore è coinvolto nella potenza comunicativa degli scatti, sentendosi parte di un mondo statico e atemporale, in cui il tempo e le emozioni si fondono insieme, plasmando la scena e dando vita a una sorta di cortometraggio visivo. Crewdson si avvicina alla fotografia come un regista di un film, creando ambientazioni dettagliate e curate, in cui ogni elemento ha un ruolo specifico nella narrazione. Utilizza l'illuminazione con maestria, dando vita a composizioni visive ricche e coinvolgenti. Dal punto di vista tecnico, Crewdson ha utilizzato fotocamere grande formato con obiettivi 250 e 300 millimetri, prima del passaggio al medio formato digitale negli ultimi anni. In sintesi, le fotografie di Gregory Crewdson vanno ben oltre la semplice documentazione del reale. Esse sono opere d'arte elaborate, con una forte componente psicologica e una narrazione complessa. L'approccio di Crewdson alla fotografia va al di là della semplice cattura dell'immagine, trasformando la realtà in un universo creato dalla sua visione artistica e psicologica. Mark Strand (1934-2014) è stato un poeta, saggista e pittore americano di origini canadesi. È noto per la sua poesia distintiva, spesso caratterizzata da un tono riflessivo, sognante e contemplativo. La sua opera ha guadagnato numerosi riconoscimenti e ha lasciato un'impronta significativa nella letteratura contemporanea. Una delle caratteristiche distintive della poesia di Mark Strand è l'uso dell'immaginazione e della fantasia. Nei suoi versi, Strand crea mondi di significato profondo attraverso immagini evocative e una lingua semplice, ma ricercata. Le sue poesie spesso esplorano l'interiorità dell'essere umano, le emozioni, il senso di isolamento e l'inquietudine dell'esistenza. Un altro tratto distintivo del lavoro di Strand è la sua abilità nel trattare temi universali e metafisici. Le sue poesie affrontano questioni esistenziali, come il significato della vita, la natura del tempo e la mortalità, senza mai cadere nel didascalico o nell'eccessivamente astratto. La sua voce poetica è intima, evocativa e profondamente coinvolgente, attirando il lettore in un viaggio di scoperta interiore. La semplicità e la chiarezza della scrittura di Mark Strand sono spesso accompagnate da un tocco di umorismo e ironia. Questo equilibrio tra serietà e leggerezza crea una dimensione poetica che sfida il lettore a riflettere e a guardare oltre la superficie delle parole. Inoltre, Strand era anche un pittore, e l'influenza delle arti visive si fa sentire nella sua scrittura. La sua capacità di creare immagini vivide e suggestive con le parole è stata arricchita dalla sua esperienza nell'espressione visiva, portando ad una sensibilità unica nella sua poesia. Le tematiche e lo stile distintivo di Mark Strand hanno influenzato molti poeti successivi, lasciando un'eredità significativa nel panorama letterario. La sua poesia continua a essere letta e apprezzata per la sua bellezza e profondità, per il modo in cui esplora la condizione umana e per la sua capacità di trasformare esperienze quotidiane in momenti di rivelazione e comprensione. La lunga festa triste Qualcuno diceva qualcosa sulle ombre che coprivano il campo, su come le cose passano, su come ci si addormenta verso l’alba e il mattino se ne va. Qualcuno diceva di come il vento si spegne ma poi torna, di come le conchiglie sono le bare del vento ma le intemperie continuano. Era una lunga serata e qualcuno diceva qualcosa sulla luna che cosparge di bianco i campi gelidi, e che non c’era niente da aspettarsi se non sempre le stesse cose. Qualcuno parlò di una città in cui era stata prima della guerra, una stanza e due candele contro la parete, qualcuno che ballava, qualcuno che guardava. Cominciammo a credere che la sera non sarebbe mai terminata. Qualcuno diceva che la musica era finita e non se n’era accorto nessuno. Poi qualcuno disse qualcosa sui pianeti, sulle stelle, di quant’erano minuscoli, quant’erano lontani. Nella poesia, Strand crea un'atmosfera di malinconia e riflessione, introducendo diversi elementi simbolici che sottolineano il passare del tempo e la transitorietà della vita. Il poeta descrive una conversazione tra diverse persone, ognuna delle quali condivide pensieri e osservazioni sulla natura effimera delle cose. Le ombre che coprono il campo rappresentano il passare del tempo, mentre il vento che si spegne e ritorna suggerisce il ciclo della vita e della natura. La luna che cosparge di bianco i campi gelidi è un simbolo della solitudine e dell'incertezza, mentre la citazione "non c'era niente da aspettarsi / se non sempre le stesse cose" riflette una sorta di fatalismo, dove le situazioni sembrano ripetersi ciclicamente senza possibilità di cambiamento. Il ricordo di una città prebellica, con la stanza illuminata da due candele, evoca un senso di nostalgia e di momenti ormai lontani. La poesia suggerisce anche un senso di disillusione riguardo alla musica e all'arte, simboleggiate dal fatto che "la musica era finita e non se n'era accorto nessuno". Questo può essere interpretato come una critica alla mancanza di attenzione o consapevolezza dell'umanità riguardo alle meraviglie del mondo. Infine, la menzione dei pianeti e delle stelle, con la loro piccolezza e distanza apparentemente infinite, può far riflettere sul senso di insignificanza dell'individuo di fronte all'immensità dell'universo. Complessivamente, "La lunga festa triste" è una poesia che invita alla contemplazione sulla vita, sul tempo e sulle emozioni umane. L'uso dei simboli e delle immagini crea un'atmosfera suggestiva e carica di significato, tipica dello stile poetico di Mark Strand. Una similitudine tra la poesia "La lunga festa triste" di Mark Strand e le fotografie di Gregory Crewdson è l'atmosfera di malinconia e inquietudine che entrambi gli artisti riescono a creare nei loro lavori. Nella poesia di Mark Strand, si percepisce una sensazione di tristezza e riflessione sulla natura effimera delle cose e sulla monotonia della vita. Le immagini delle ombre che coprono il campo, del vento che si spegne e ritorna e della luna che cosparge di bianco i campi gelidi, evocano una sensazione di solitudine e di ciclicità, che può suscitare un senso di nostalgia e malinconia nel lettore. Le fotografie di Gregory Crewdson condividono una simile atmosfera di malinconia e inquietudine. Le sue immagini spesso catturano momenti sospesi e carichi di tensione, con ambientazioni urbane o suburbane che sembrano essere immobili nel tempo. Le luci e le ombre giocate da Crewdson contribuiscono a creare una sensazione di mistero e isolamento, con personaggi spesso immersi nei propri pensieri o in situazioni ordinarie trasformate in qualcosa di più profondo e carico di significato. Sia la poesia di Strand che le fotografie di Crewdson offrono spunti per riflessioni sulla condizione umana e sulla complessità della vita. Entrambi gli artisti esplorano il tema della transitorietà, dell'effimero e della continua ricerca di significato nell'esistenza umana. In definitiva, sia la poesia di Mark Strand che le fotografie di Gregory Crewdson condividono una profonda sensibilità verso l'esperienza umana, usando il loro talento artistico per suscitare empatia e far riflettere sulle sfumature della vita, lasciando una forte impressione emotiva nel pubblico.

Fotografia e poesia. Quando le immagini di Gregory Crewdson incontrano i versi di Mark Strand.

Entrambi gli artisti, Gregory Crewdson con le sue fotografie e Mark Strand con le sue poesie, riescono a trasmettere un senso di estraniamento e ricerca interiore attraverso le loro opere. ...
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Pollock e Siskind: esplorando le similitudini tra l'espressionismo astratto e la fotografia astratta. Celebrando l'arte dell'espressione gestuale: un'analisi comparativa tra le opere di Jackson Pollock e Aaron Siskind. "Cos'è la fotografia moderna/Che cosa è la pittura moderna?" “Qual è l'oggetto di questo mondo apparentemente molto personale? Ciò di cui sono consapevole e ciò che sento è l'immagine che sto facendo, la relazione di quell'immagine con gli altri che ho fatto e, più in generale, la sua relazione con gli altri che ho vissuto”. Aaron Siskind, 20 ottobre 1950. “Solo quando perdo il contatto con il quadro, allora esce spazzatura. Altrimenti regna armonia pura, un delicato dare e prendere, e viene fuori un bel lavoro”. Jackson Pollock, 2 dicembre 1950. L'arte astratta, sia nella pittura che nella fotografia, è stata una rivoluzione artistica che ha sfidato le tradizioni, ridefinito la percezione visiva e aperto nuovi orizzonti espressivi. Tanto la fotografia astratta quanto la pittura astratta si sono sviluppate nel XX secolo, segnando un importante cambiamento nella storia dell'arte. Molti artisti hanno abbracciato l'astrazione come un modo per andare oltre la rappresentazione realistica e dare voce alle emozioni, alle intuizioni e agli aspetti più profondi dell'esperienza umana. In questo contesto, ci concentriamo su due artisti che hanno abbracciato l'astrazione in modo unico e distintivo: Jackson Pollock, un pioniere dell'espressionismo astratto nella pittura, e Aaron Siskind, un innovatore della fotografia astratta. Sebbene abbiano lavorato in media diversi, i loro approcci artistici hanno molte similitudini, e i loro contributi hanno ridefinito le possibilità espressive sia della pittura che della fotografia. La fotografia astratta e la pittura astratta condividono il desiderio di andare oltre la realtà oggettiva per esplorare l'emozione, la forma, la linea e il colore. Entrambi gli artisti hanno sfidato le norme convenzionali, spostando l'attenzione dalle raffigurazioni realistiche verso una rappresentazione visiva più libera e sperimentale. L'astrazione permette agli artisti di comunicare in modo più intimo e personale, abbandonando le restrizioni della riproduzione fedele della realtà. Jackson Pollock ha rivoluzionato il mondo dell'arte con la sua tecnica del dripping, in cui versava e schizzava la pittura sulla tela. Questa pratica, conosciuta anche come action painting, ha trasformato l'atto stesso di dipingere in una performance dinamica, in cui il gesto dell'artista diventava parte integrante dell'opera d'arte. Le sue tele evocano energia, movimento e intensità emotiva, offrendo uno spazio per l'interpretazione personale dello spettatore. D'altra parte, Aaron Siskind ha esplorato la fotografia come un mezzo per catturare dettagli, forme e texture trovate nell'ambiente circostante. Attraverso l'uso della luce, delle linee e della composizione, ha creato immagini astratte che invitano a una riflessione profonda e ad un coinvolgimento emotivo. Le sue fotografie, simili a quadri astratti, catturano la bellezza nascosta nei dettagli più insignificanti, trasformando il comune in straordinario. In questo articolo esploro le similitudini tra le opere di Jackson Pollock e Aaron Siskind, analizzando come entrambi gli artisti abbiano cercato di esprimere il loro mondo interiore attraverso l'uso audace della forma, del colore e del movimento. Esamineremo anche come la fotografia astratta e la pittura astratta abbiano avuto un impatto duraturo sull'arte moderna, aprendo nuove prospettive per l'espressione artistica e sfidando le nozioni tradizionali di ciò che può essere considerato arte. Attraverso questa indagine, approfondisco la comprensione di come l'astrazione abbia permesso agli artisti di connettersi in modo più intimo con il loro pubblico, spingendo gli spettatori a riflettere, sognare e immergersi nell'universo delle emozioni e delle percezioni visive. Lasciamoci trasportare in un viaggio attraverso le opere di Pollock e Siskind, scoprendo come entrambi hanno ridefinito il significato stesso dell'arte astratta e come i loro contributi continuano a ispirare e influenzare l'arte contemporanea. Aaron Siskind è stato un fotografo statunitense noto per le sue immagini astratte e le sperimentazioni con la forma, la linea e la struttura. Ha lavorato con soggetti come muri, graffiti e oggetti trovati, utilizzando una visione intensa e giocando con la prospettiva e la composizione per creare immagini che ricordano l'energia e il movimento astratto delle opere di Pollock. Anche se il medium fotografico è diverso dalla pittura di Pollock, Aaron Siskind è stato un fotografo che ha cercato di catturare l'essenza dell'oggetto o del soggetto attraverso la luce e la composizione, trasformandoli in opere astratte e suggestive, simili in un certo senso all'effetto delle opere di Pollock sulla tela. Aaron Siskind è stato un fotografo influente e innovativo, noto per la sua capacità di trasformare soggetti ordinari in immagini straordinarie, quasi astratte. È considerato uno dei pionieri della fotografia astratta e ha avuto un impatto significativo sulla fotografia d'arte nel XX secolo. Siskind iniziò la sua carriera come insegnante di letteratura inglese, ma sviluppò presto un interesse per la fotografia. Verso la fine degli anni '30, abbandonò l'insegnamento e iniziò a fotografare con maggiore impegno. Inizialmente, il suo lavoro si concentrava sulla documentazione della vita urbana, ma nel corso degli anni sviluppò uno stile distintivo e personale che lo portò verso l'astrazione. Tra le sue serie più famose vi è la "Serie Harlem", in cui fotografò le pareti dei palazzi di Harlem, New York, con i graffiti e le scritte lasciate dalla comunità. Queste immagini erano caratterizzate da dettagli astratti, linee, forme e texture che evocavano emozioni e trasmettevano una profonda sensibilità artistica. Siskind ha anche esplorato soggetti come le rovine archeologiche, le rocce e le superfici scabre. Le sue immagini erano spesso caratterizzate da una forte attenzione alle texture e alle geometrie, enfatizzate dal suo uso intelligente della luce e della composizione. Come Jackson Pollock, Siskind era interessato all'espressione gestuale e all'energia delle sue opere. Nelle sue fotografie, ha cercato di catturare il movimento, la vitalità e l'essenza dei suoi soggetti, trasformandoli in opere d'arte astratte. La sua abilità nell'utilizzare la fotografia come mezzo espressivo lo ha reso un fotografo d'arte altamente influente e rispettato. Le opere di Aaron Siskind hanno guadagnato ampio riconoscimento e sono state esposte in molte mostre di fotografia e musei d'arte. Il suo lavoro ha avuto un impatto duraturo sulla fotografia contemporanea, ispirando numerosi artisti a esplorare l'astrazione e l'energia del mondo visivo attraverso il medium fotografico. Aaron Siskind (1903-1991), d'altro canto, era un fotografo noto per il suo approccio astratto alla fotografia. Ha fotografato dettagli, forme e texture trovate nel mondo circostante, utilizzando la fotografia come un mezzo per catturare la bellezza e l'essenza astratta degli oggetti. Le sue opere spesso evocavano emozioni e sensazioni attraverso l'uso della forma, della linea e della composizione. Jackson Pollock (1912-1956) è stato un pittore espressionista astratto americano, noto per la sua tecnica del dripping. Questa tecnica coinvolgeva versare o spruzzare pittura sulla tela, permettendo alle gocce e agli schizzi di creare un'impressione di movimento e un senso di energia dinamica. I dipinti di Pollock erano spesso caratterizzati da linee e tratti fluidi, con una sensazione di spontaneità e gestualità. Sebbene Pollock e Siskind abbiano lavorato in media diversi (pittura e fotografia), entrambi gli artisti condividevano una profonda connessione con l'arte astratta e l'espressione gestuale. Entrambi cercavano di andare oltre la rappresentazione oggettiva per esplorare l'emozione e l'esperienza umana attraverso il loro lavoro. Inoltre, sia Pollock che Siskind hanno avuto un impatto significativo sulla scena artistica del loro tempo. Pollock è stato uno dei principali esponenti dell'espressionismo astratto, una corrente artistica fondamentale negli Stati Uniti d'America nella metà del XX secolo. La sua tecnica del dripping ha rivoluzionato la pittura e ha influenzato molti artisti successivi. Da parte sua, Siskind è stato un pioniere della fotografia astratta e ha contribuito a spingere i confini della fotografia come forma d'arte. Ha influenzato una generazione successiva di fotografi, dimostrando che la fotografia poteva essere un medium adatto per esprimere concetti astratti e sperimentare con forme e strutture. In sintesi, Jackson Pollock e Aaron Siskind erano due artisti di spicco del movimento astratto nel XX secolo. Entrambi condividevano una passione per l'espressione gestuale e un desiderio di esplorare l'arte oltre la rappresentazione oggettiva. La loro influenza e il loro contributo all'arte moderna hanno lasciato un segno indelebile sulla scena artistica del loro tempo e hanno continuato a ispirare artisti di diverse generazioni. Breve sintesi dei due artisti Aaron Siskind (1903-1991): Siskind è stato un fotografo americano noto per il suo approccio astratto alla fotografia. Nato a New York nel 1903, inizialmente si è dedicato all'insegnamento, ma dopo essersi appassionato di fotografia, ha deciso di dedicarsi completamente all'arte fotografica. Negli anni '30 e '40, ha lavorato su progetti documentari focalizzandosi sulla vita urbana, ma alla fine degli anni '40 ha sviluppato uno stile astratto, ispirato da forme, texture e dettagli trovati nel mondo circostante. Le sue opere spesso catturavano pareti, superfici scabre, graffiti e altre forme astratte presenti nell'ambiente urbano. Ha utilizzato la fotografia come strumento per trasformare soggetti comuni in opere d'arte astratte e sperimentali. Siskind era affascinato dalla potenza espressiva della fotografia e ha utilizzato il medium per creare immagini che evocavano emozioni e sensazioni, simili a quelle presenti nella pittura di artisti come Pollock. Nel corso della sua carriera, ha anche lavorato come insegnante di fotografia e ha influenzato una generazione di fotografi, dimostrando come la fotografia potesse essere utilizzata per esprimere concetti astratti e sperimentare con forme e strutture. Siskind è stato coinvolto in vari gruppi di fotografi e ha contribuito a promuovere il riconoscimento della fotografia come forma d'arte legittima. Jackson Pollock (1912-1956): Pollock è stato un pittore americano e uno dei principali esponenti dell'espressionismo astratto. Nato a Cody, nel Wyoming, nel 1912, ha studiato a New York alla Art Students League, dove ha incontrato l'influenza di importanti artisti come Thomas Hart Benton. È noto per la sua tecnica del dripping o action painting, in cui versava o spruzzava la pittura su tele poste sul pavimento. Questa tecnica gli consentiva di creare composizioni dinamiche e gestuali, caratterizzate da linee fluide, gocce e schizzi casuali. Il suo stile era spesso definito come "arte gestuale" o "arte del movimento", poiché la sua pittura sembrava catturare l'energia del gesto dell'artista. Le opere di Pollock sono state influenzate dal surrealismo, ma hanno sviluppato un linguaggio artistico unico e personale. Le sue tele sembravano non avere inizio né fine, creando un senso di profondità e di infinito. Nel 1947, la rivista Life pubblicò un articolo su Pollock, presentandolo al pubblico e contribuendo a farlo diventare uno degli artisti più celebri dell'epoca. Ha raggiunto il suo apice negli anni '50, ottenendo riconoscimenti e successo, ma ha lottato con problemi di alcolismo e depressione. Pollock è morto in un incidente automobilistico nel 1956, a soli 44 anni. Nonostante la sua vita breve, il suo impatto sull'arte è stato enorme, e la sua eredità continua a influenzare artisti e movimenti d'avanguardia. In sintesi, sia Jackson Pollock che Aaron Siskind hanno contribuito al movimento astratto del XX secolo, ognuno nel proprio medium artistico. Pollock ha esplorato l'arte gestuale attraverso la pittura, mentre Siskind ha utilizzato la fotografia per creare immagini astratte ed espressive. Entrambi gli artisti hanno avuto un impatto duraturo sulla scena artistica del loro tempo e hanno continuato a essere considerati importanti esponenti dell'arte moderna.

Pollock e Siskind: similitudini tra l’espressionismo astratto e la fotografia astratta.

Scopri le similitudini tra Jackson Pollock, il maestro dell'espressionismo astratto nella pittura, e Aaron Siskind, l'innovatore della fotografia astratta. Esplora l'arte dell'espressione gestuale e confronta le opere dei due artisti, ...
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"1964. Gli occhi del ciclone” di Paul McCartney. La Beatlemania come mai raccontata prima. Può sembrare superfluo ma, prima di parlare delle sue fotografie, è bene ricordare a chi non lo conosce, o ne ha perso memoria, che Paul McCartney è una delle figure più iconiche e influenti nella storia della musica. Nato il 18 giugno 1942 a Liverpool, in Inghilterra, è famoso per essere stato uno dei membri fondatori dei Beatles, la band che ha rivoluzionato la musica e la cultura giovanile negli anni '60. Nel gruppo, McCartney ha ricoperto il ruolo di bassista, cantante e compositore. La carriera di Paul McCartney con i Beatles. Nel 1960, insieme a John Lennon, George Harrison e Ringo Starr, fondò i Beatles, che divennero rapidamente una delle band più popolari e influenti di sempre. Le canzoni scritte da McCartney insieme a Lennon hanno contribuito a definire l'era del "British Invasion" e sono diventate veri e propri inni della cultura popolare. Brani come "Hey Jude", "Let It Be", "Yesterday" e "Eleanor Rigby" sono solo alcuni dei tanti successi di McCartney. La separazione dei Beatles e la carriera da solista. Dopo lo scioglimento dei Beatles nel 1970, McCartney ha intrapreso una brillante carriera da solista. Ha formato una nuova band chiamata "Wings", con cui ha ottenuto ulteriori successi, come "Band on the Run" e "Live and Let Die". La sua carriera da solista è stata caratterizzata dalla sua versatilità musicale, passando da ballate dolci e romantiche a brani rock più energici. Oltre alla sua carriera musicale, McCartney ha anche intrapreso progetti musicali collaborando con artisti di fama internazionale come Stevie Wonder, Michael Jackson e altri. La sua influenza sulla musica popolare è stata talmente significativa che è stato inserito nella Rock and Roll Hall of Fame sia come membro dei Beatles che come artista solista. Impegno sociale e umanitario. Paul McCartney è anche noto per il suo impegno sociale e umanitario. Ha sostenuto numerose cause, tra cui la lotta contro la povertà, i diritti degli animali e la promozione della pace nel mondo. È stato un attivo sostenitore della campagna di Linda McCartney contro il consumo di carne e ha promosso l'adozione di uno stile di vita vegano. La sua eredità. Con una carriera musicale che si estende per oltre sei decenni, Paul McCartney è una leggenda vivente e una delle poche icone della musica che è riuscita a mantenere il proprio status nel corso degli anni. Il suo talento come musicista e compositore, la sua voce unica e il suo carisma sul palco gli hanno garantito un posto nel cuore dei fan di tutte le generazioni. Oltre alla sua eccezionale carriera musicale, McCartney rimane un esempio di altruismo e impegno sociale, continuando a ispirare non solo attraverso la sua musica, ma anche attraverso la sua dedizione alle cause umanitarie. Nessuno ha mai ritratto la Beatlemania in modo così autentico ed emozionante come Paul McCartney con le sue fotografie inedite del 1963 e 1964. In questo articolo, esploro il nuovo libro "1964. Gli occhi del ciclone" di Paul McCartney, pubblicato dalla nave di Teseo, che contiene oltre 275 fotografie scattate da Paul durante i leggendari tour dei Beatles in sei città, e il suo racconto personale di quegli anni travolgenti. Questa opera offre una prospettiva unica sulla rivoluzione culturale degli anni Sessanta e sul cambiamento che i Fab Four hanno portato alla storia della musica. La Beatlemania immortalata. Questo libro è un autentico tesoro per tutti i fan dei Beatles e gli amanti della storia della musica. Le fotografie scattate da Paul McCartney con la sua macchina fotografica 35mm catturano l'esplosione della Beatlemania, quando i Beatles diventarono un fenomeno mondiale e cambiarono il corso della musica. Con immagini provenienti da Liverpool, Londra, Parigi, New York, Washington e Miami, il libro offre uno sguardo intimo sugli entusiasmanti concerti in Inghilterra e l'isteria che ha accolto la band in America e nel resto del mondo. Un viaggio indietro nel tempo. Guardando queste immagini, ci si immerge nel passato, viaggiando indietro nel tempo e sperimentando l'entusiasmo e l'emozione di quegli anni rivoluzionari. McCartney stesso commenta le foto, rievocando il suo primo grande viaggio insieme ai Beatles, che li ha portati attraverso diverse città e continenti. Le fotografie, quasi completamente inedite fino a poco tempo fa, sono un vero diario visivo dell'epoca, regalando una prospettiva di tranquillità in mezzo all'uragano della popolarità. La svolta nella carriera fotografica di McCartney: "1964. Gli occhi del ciclone" mostra anche il lato artistico di Paul McCartney come fotografo. Mentre catturava quei momenti epocali, ha sviluppato un vero senso della composizione e dell'inquadratura, dimostrando un talento naturale per la fotografia. Questo libro è una testimonianza di come la fotografia sia diventata sempre più importante nella vita di McCartney e di come sia diventata un mezzo espressivo per lui. L'ironia dei Beatles e l'intimità nelle fotografie. Le immagini mostrano anche il lato ironico dei Beatles, la loro capacità di scherzare e affrontare la vita con un sorriso. McCartney sottolinea l'umorismo presente nelle fotografie, riflettendo sull'importanza di mantenere una mente sana durante i periodi frenetici della loro carriera. Inoltre, alcune foto catturano momenti di intimità, lontani dal clamore della fama, mostrando il lato umano e autentico dei membri della band. Il valore delle persone comuni. Una caratteristica interessante delle fotografie è lo sguardo di Paul McCartney rivolto alle persone comuni, alle vite ordinarie che ha sempre cercato di immortalare anche nelle sue canzoni. Queste immagini ci mostrano il suo attaccamento alle sue umili origini e il profondo rispetto per le persone comuni. Il Paese delle Meraviglie a colori. L'arrivo a Miami segna una svolta nelle fotografie, passando dal bianco e nero al colore. Questo cambiamento coincide con l'arrivo nel "Paese delle Meraviglie", un periodo in cui i Beatles stavano vivendo il massimo della loro popolarità e successo. Le foto a colori ci permettono di immergerci completamente in quei momenti di lusso e comfort. Conclusioni "1964. Gli occhi del ciclone" di Paul McCartney è molto più di un semplice libro di fotografie. È un viaggio emozionante nel passato, un'esperienza visiva unica per rivivere la Beatlemania e comprendere l'impatto rivoluzionario che i Beatles hanno avuto sulla cultura giovanile degli anni Sessanta. Questo libro è una testimonianza dell'abilità fotografica di McCartney e della sua prospettiva autentica e intima su quei momenti straordinari. Se sei un fan dei Beatles o semplicemente interessato alla storia della musica, questo libro è un must-have per la tua collezione.

“1964. Gli occhi del ciclone” di Paul McCartney. La Beatlemania come mai raccontata prima.

"1964. Gli occhi del ciclone di Paul McCartney: La Beatlemania come mai raccontata prima - Recensione e riflessioni sulle fotografie inedite" In questa recensione approfondita, esploriamo il libro "1964. Gli ...
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Ostia tifa Ostia. E odia il suo mare. Ostia da sempre rappresenta nella realtà e anche nell’immaginario di chi vive a Roma, un parente povero che c’è, esiste, ma è meglio tenere a distanza. Il suo mare? Non esiste. E il suo lungomare è un non luogo terzo paesaggio sbagliato, da nascondere, rinchiudere dentro gabbie, reti, cancelli e muri. Così il suo lungomare è in realtà solo e soltanto un lungomuro. 30 chilometri separano Roma dal Ostia, la Capitale dal suo mare. Ma chi arriva da Roma a Ostia il mare non lo vede. Capiamo perché con questo mio reportage fotografico. Che si scelga il trenino, la via del mare (SS8), la Colombo, la A91 / E80 un'autostrada che collega Roma a Fiumicino e successivamente ad Ostia, o la Pontina (SS148), il viaggio da qualunque punto di Roma verso Ostia è un viaggio senza senso. Per la mia generazione Ostia è sempre stata una cittadina a parte, nemmeno considerata un quartiere alla stregua degli altri – e oggi è lo stesso -, attaccata a Roma con il debole filo di un “trenino” lento, sporco, perennemente in ritardo, da prendere la domenica per andare al mare o per andare a giocare le partite di basket. Un viaggio interminabile, come le partite stesse. O i viaggi in macchina – perchè di viaggio si trattava, e si tratta ancora oggi – lungo strade veloci, con ai margini solo quartieri spontanei, periferici, in mezzo al verde spontaneo mai e mal curato della Via del Mare o della Cristoforo Colombo. Ferrovia e strade che dopo mezz’ora di nulla, nessun paesaggio da ammirare guardando fuori dal finestrino, mi catapultavano su questo annesso fatto di case popolari, palazzine costruite senza alcun senso, se non quello di una speculazione urbanistica rapida e selvaggia, sulla pianta della vecchia Ostia degli anni 20 e 30 del Novecento. A Ostia c’era il mare, ma non lo vedevo, non ne sentivo l’odore e il rumore, non ne ero assolutamente attratto. Oggi è lo stesso. Perché? Perché per un oscuro, insondabile ma oggettivo mistero, Roma, quella che si ferma all’inizio dell’Ostiense o appena dopo l’EUR, non ha mai amato e non ama Ostia e il suo mare. Così in questa trascuratezza, dimenticanza, perenne oblio di pensiero, cura politica e amministrativa, Ostia dal dopoguerra a oggi è nata e si è sviluppata come un satellite storto, malato, con lo sguardo rivolto a Roma e le spalle al suo mare. Sarebbe dovuto succedere l’esatto contrario, ma è andata così. Il risultato è stato creare - volontariamente? - un quartiere dormitorio per lo più di pendolari, legato alla città e al vicino aeroporto di Fiumicino solo dal bisogno di lavorare. È vero, negli anni qualche passo in avanti è stato fatto nella cultura e nello sport: Teatro del Lido, Oasi Naturale LIPU all’idroscalo dove è morto Pasolini, la Biblioteca Elsa Morante nella sede della ex Colonia, sedi sportive CONI per vela e windsurf, e il Palazzo per judo, karate, arti marziali e lotta. Così come è stato fatto nella riqualificazione dell’Idroscalo, del Porto e del lungomare che lungomare nonostante tutto non è, non lo è mai stato. Ma sono e restano operazioni a spot, spesso di sola e mera speculazione, totalmente scollegate dal tessuto antropologico di chi qui ci vive. Operazioni che non hanno mai inciso realmente nel cambiare positivamente il DNA di questo non luogo che, ieri come oggi, è sempre impantanato nella cronaca quotidiana mal filtrata da media e social tramite il setaccio dell’immaginario pop di degrado, affarismo da colletti bianchi e banda della Magliana di vecchia e nuova generazione. E in tutto ciò il mare non bagna Ostia. Quando arrivo da Roma, devio sul lungomare che è stato riqualificato come una superstrada a quattro corsie, due per senso di marcia, più una ciclabile e un marciapiede. Li percorro e non vedo il mare. Questo è recluso da sempre, ma oggi peggio di ieri, da un lungomuro, alto, la cui soluzione di continuità è spezzata dagli ingressi agli stabilimenti e dal retro dei loro bar e ristoranti fatto di motori e tubi aspiratori, aria condizionata e bidoni della sporcizia. Ingressi agli stabilimenti che sembrano hotel di terza categoria degli anni ‘80, colonne di marmo e infissi d’alluminio vetri fumé. reti e gabbie che delimitano concessioni demaniali eterne, immutabili, parchetti giochi per bambini fatti di finti castelli e altalene, e decine di cartelli che vietano e limitano. In questo modo, che il modo di sempre, il mare non lo vedo, faccio fatica anche a vedere la spiaggia, non ne sento né l’odore né il rumore. Quello che sento sono solo l’odore di frittura di pesce, il rumore delle macchine e il sound mixato da un inesistente dj con le tracce musicali che ogni stabilimento manda a tutto volume dalle casse. E mentre “Italodisco” dei The Kolors e “Mon amour” di Annalisa si sovrappongono male a “Sarà perché ti amo” dei Ricchi e Poveri, provo invano a guardare oltre il muro e perdo l’orientamento, quello che dovrebbe guidarmi naturalmente verso il mare ma che invece mi fa rimbalzare contro questo non luogo, spazio senza identità, senza relazioni sociali, una striscia di mattoni, cancelli chiusi, ruggine su lucchetti e catene, porte aperte sì ma pagamento, e tanto asfalto, transito, passaggio che le persone attraversano senza stabilire connessioni profonde con il contesto o con gli altri. Il lato del mare è uguale, a specchio, al lato opposto delle case. Il risultato è che dopo poco non sai più orientarti. Non sai dove sta il mare. Il lungomare/lungomuro di Ostia è un non luogo, è una specie di terzo paesaggio dopo le sue palazzine anonime che hanno oscurato l’architettura Liberty, e le strade/ferrovie che la collegano a Roma. Non luogo e terzo paesaggio che dagli anni ’70 a oggi è parte della sua vita quotidiana, che da sempre suscita sensazione di estraniamento e anonimato. Qui tutti i giorni soprattutto d’estate muoiono le relazioni personali che devono per forza legare una città di mare al suo mare. Chi vive e amministra Ostia non lo ha mai messo in discussione, anche semplicemente incoraggiando una riflessione pubblica sul significato dell'identità e delle relazioni umane nel contesto delle moderne dinamiche sociali. E anche se il concetto di non luogo non sempre è intrinsecamente negativo - i non luoghi sono parte integrante delle società moderne e spesso hanno il loro scopo e funzione – per Ostia lo è. Indiscutibilmente. Sta qui il corto circuito tra Roma e Ostia. Nel suo lungomuro che separa il mare dall’umanità. La natura dalla cultura storta.

Ostia tifa Ostia. E odia il suo mare.

Ostia, una cittadina vicino a Roma, è sempre stata trascurata e considerata un parente povero da tenere a distanza. Il suo mare sembra non esistere, essendo separato da un lungomuro ...
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La giovane fotografia italiana. Chi sono i talenti emergenti? La fotografia italiana è in fermento, e ci sono molti giovani fotografi italiani che stanno emergendo sulla scena internazionale. Il loro lavoro è vario e innovativo, e sta contribuendo a far conoscere la fotografia italiana nel mondo. In questo blog, ti presenterò alcuni dei migliori giovani fotografi italiani, e ti parlerò del loro lavoro. Spero che questo blog ti ispiri a conoscere meglio la fotografia italiana contemporanea, e a scoprire i nuovi talenti che stanno emergendo." Ecco alcuni dei migliori giovani fotografi italiani: Andrea Camiolo è un fotografo italiano nato nel 1998. Il suo lavoro esplora la natura umana e i rapporti sociali. Le sue fotografie sono spesso caratterizzate da una forte componente narrativa e da un'estetica minimalista. Andrea Camiolo è un fotografo italiano nato nel 1998. Il suo lavoro esplora la natura umana e i rapporti sociali. Le sue fotografie sono spesso caratterizzate da una forte componente narrativa e da un'estetica minimalista. Ad esempio, la sua serie di fotografie "The Lost Generation" racconta la storia di un gruppo di giovani che cercano di trovare il loro posto nel mondo. Le fotografie sono caratterizzate da una grande semplicità formale, ma sono allo stesso tempo molto potenti dal punto di vista narrativo. https://www.instagram.com/andreacamiolo/ Carlo Lombardi è un fotografo italiano nato nel 1997. Il suo lavoro si concentra sulla natura e sull'ambiente. Le sue fotografie sono spesso caratterizzate da una grande sensibilità e da un'attenzione ai dettagli. Carlo Lombardi è un fotografo italiano nato nel 1997. Il suo lavoro si concentra sulla natura e sull'ambiente. Le sue fotografie sono spesso caratterizzate da una grande sensibilità e da un'attenzione ai dettagli. Ad esempio, la sua serie di fotografie "The Forest" esplora la bellezza e la fragilità del mondo naturale. Le fotografie sono caratterizzate da una grande attenzione ai dettagli e da una forte sensibilità per la luce. https://www.carlo-lombardi.com/ Davide Degano è un fotografo italiano nato nel 1996. Il suo lavoro esplora la cultura urbana e la società contemporanea. Le sue fotografie sono spesso caratterizzate da un forte impatto visivo e da un messaggio sociale. Davide Degano è un fotografo italiano nato nel 1996. Il suo lavoro esplora la cultura urbana e la società contemporanea. Le sue fotografie sono spesso caratterizzate da un forte impatto visivo e da un messaggio sociale. Ad esempio, la sua serie di fotografie "The City" racconta la storia di una città che è allo stesso tempo moderna e decadente. Le fotografie sono caratterizzate da un forte impatto visivo e da un messaggio sociale. https://davidedegano.com/ Eleonora Paciullo è una fotografa italiana nata nel 1995. Il suo lavoro si concentra sulla memoria e sull'identità. Le sue fotografie sono spesso caratterizzate da un'estetica poetica e da un'atmosfera sospesa. Eleonora Paciullo è una fotografa italiana nata nel 1995. Il suo lavoro si concentra sulla memoria e sull'identità. Le sue fotografie sono spesso caratterizzate da un'estetica poetica e da un'atmosfera sospesa. Ad esempio, la sua serie di fotografie "The Memory" esplora il tema della memoria e dell'identità. Le fotografie sono caratterizzate da un'estetica poetica e da un'atmosfera sospesa. https://www.instagram.com/eleonorapaciullo/ IL suo lavoro più bello è This is L.A. del 2021 La serie fotografica mette in discussione il nostro rapporto con le immagini virtuali. L'artista ha voluto ricreare ricordi fotografici analogici di un viaggio che ha fatto a Los Angeles, scattando foto mentre vagava nei videogiochi GTA e L.A. Noire (entrambi ambientati a Los Angeles). Il suo desiderio era quello di esplorare questi ambienti in qualche modo familiari senza andare fisicamente e ottenere l'identità di questi luoghi virtuali. Il mezzo fotografico viene qui utilizzato per la sua capacità di lasciare una traccia e un ricordo preziosi. Le fotografie analogiche scattate con una Mamyia RZ67 danno una materialità agli screenshot di una Los Angeles virtuale e costituiscono una nuova forma di realtà. Le foto risultanti interrogano lo spettatore sulla loro natura e veridicità, portando una nuova prospettiva sull'uso futuro e sul ruolo della fotografia. Giulia Mangione è una fotografa italiana nata nel 1994. Il suo lavoro esplora il corpo e la psiche umana. Le sue fotografie sono spesso caratterizzate da un forte impatto emotivo e da un'estetica surreale. Giulia Mangione è una fotografa italiana nata nel 1994. Il suo lavoro esplora il corpo e la psiche umana. Le sue fotografie sono spesso caratterizzate da un forte impatto emotivo e da un'estetica surreale. Ad esempio, la sua serie di fotografie "The Body" esplora il tema del corpo e della psiche umana. Le fotografie sono caratterizzate da un forte impatto emotivo e da un'estetica surreale. Giulia Mangione è la vincitrice Del Premio Luigi Ghirri Il suo lavoro ha ricevuto il prestigioso premio durante l’urltima edizione, ed è stato scelto tra i progetti fotografici di Eleonora Agostini, Andrea Camiolo, Sofiya Chotyrbok, Davide Degano, Carlo Lombardi, ed Eleonora Paciullo. Oltre al premio in denaro di 4000€, Giulia Mangione avrà anche l’opportunità di presentare una mostra personale negli spazi di Triennale Milano, una tra le più importanti partnership avviate da Giovane Fotografia Italiana. La giuria che l’ha eletta vincitrice era composta da Lorenza Bravetta (curatrice fotografia, cinema e new media Triennale Milano), Paola Di Bello (artista), Francesca Lazzarini (curatrice indipendente), Adele Ghirri (Eredi Luigi Ghirri) e Walter Guadagnini (direzione Fotografia Europea) con la seguente motivazione: “per la solidità della ricerca, per la qualità fotografica del lavoro, e per aver indagato il tema dell’appartenenza in relazione al sentimento della fine”. "The Fall: fotografie miti dell'apocalisse e appartenenza a comunità religiose" Descrizione SEO: Esplora "The Fall", il progetto fotografico di Giulia Mangione, che indaga i miti dell'Apocalisse e le teorie del complotto. Scopri come l'appartenenza a una comunità religiosa offre sicurezza in tempi di potenziale catastrofe. Viaggiando da La Palma alle Isole Canarie agli Stati Uniti e all'isola greca di Patmos, luogo del Libro dell'Apocalisse, Mangione documenta incontri straordinari con uomini alla ricerca di un anello nuziale perduto, sopravvissuti, preppers, culti religiosi e abitanti di bunker. I ritratti fotografici sono accompagnati da interviste, registrazioni sul campo e appunti di viaggio, offrendo un'indagine unica sulla società e la preparazione per eventi apocalittici. The Fall “Sono seduta sul sedile del passeggero di un pick-up. Tra me e l’uomo alla guida è appoggiata la lunga canna di un fucile. Intorno a noi l’erba è diventata gialla per il caldo secco. Sparsi nei campi, i bunker sporgono dal terreno, le ampie pance sottoterra. Io sono viva e voi siete morti, penso mentre passo davanti alla più grande comunità di sopravvissuti del mondo. Il luogo è infestato da serpenti a sonagli. Benché il perimetro sia delimitato, alcuni proprietari dei bunker hanno scelto di recintare la loro proprietà con del filo spinato. Nonostante i serpenti e l’isolamento, le persone affermano di sentirsi al sicuro qui, più al sicuro di quanto si sentissero nelle loro case in Minnesota, California o Arizona.” (Appunti di viaggio, 4 settembre 2022, Edgemont, South Dakota) "The Fall," il progetto fotografico unico di Giulia Mangione che esplora i miti dell'Apocalisse e le teorie del complotto. Il progetto analizza anche come l'appartenenza a una comunità religiosa offra sicurezza in tempi di potenziale catastrofe. Dall'affascinante scenario di La Palma nelle Isole Canarie, agli Stati Uniti e all'isola greca di Patmos, luogo in cui è stato scritto il Libro dell'Apocalisse, Mangione indaga su come la società si prepara ad affrontare eventi catastrofici. Incontri casuali con individui in cerca di un anello nuziale perduto in un deserto, sopravvissuti, preppers, culti religiosi e persone che vivono nei bunker sono documentati attraverso ritratti fotografici e racconti che combinano interviste, registrazioni sul campo e appunti di viaggio. "The Fall" si ispira al fotogiornalismo e alla belle arti, unendo la fotografia documentaria e la finzione per riflettere sulle paure collettive della società lungo la strada dell'apocalisse durante un emozionante road trip fotografico attraverso gli stati del vecchio Far West. http://www.giuliamangione.com/ Questi sono solo alcuni dei molti giovani fotografi italiani che stanno emergendo sulla scena internazionale. Il loro lavoro è vario e innovativo, e sta contribuendo a far conoscere la fotografia italiana nel mondo.

La giovane fotografia italiana. Chi sono i talenti emergenti?

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